o que eu fiz em 2003

2005-01-22T13:53:00.002-08:00

Filmes vistos desde dezembro de 2002 até dezembro de 2003: "//" indica filmes já vistos anteriormente. "*" indica filmes vistos no cinema. curtas não são avaliados.

2002

01/12 Inverno de Sangue em Veneza [Don’t Look Now] (Nicolas Roeg, 1973)

02/12 /A Bela e a Fera/ [Beauty and the Beast] (Gary Trousdale e Kirk Wise, 1991)

04/12 A Era do Gelo [Ice Age] (Chris Wedge, 2002)

04/12 /E.T. – O Extraterrestre/ [E.T. – Extra Terrestrial] (Steven Spielberg, 1982-2002)

05/12 Leolo (Jean-Claude Lauzon, 1992)

07/12 Através das Oliveiras [Zire Darakhatan Zeyton] (Abbas Kiarostami, 1994)

07/12 O Homem do Terno Branco [The Man In the White Suit] (Alexander Mackendrick, 1951)

07/12 Desafio à Corrupção [The Hustler] (Robert Rossen, 1961)

07/12 Sinfonia de Uma Cidade [Sous le Ciel de Paris] (Julien Duvivier, 1950)

08/12 Amigas de Colégio [Fucking Amal] (Lukas Moodysson, 1998)

08/12 O Céu É Testemunha [Heaven Knows, Mr. Allison] (John Huston, 1957)

09/12 A Caminho de Kandahar [Safar e Ghandehar] (Mohsen Makhmalbaf, 2001)

09/12 Cabra Marcado Para Morrer (Eduardo Coutinho, 1991)*

10/12 A Batalha de San Pietro [San Pietro] (John Huston, 1945)

11/12 Croupiê - A Vida em Jogo [Croupier] (Mike Hodges, 1998)

13/12 Madame Satã (Karim Ainouz, 2002)*

14/12 /Cães de Aluguel/ [Reservior Dogs] (Quentin Tarantino, 1992)

15/12 A Boa Fada [The Good Fairy] (William Wyler, 1935)

16/12 Fogo de Outono [Dodsworth] (William Wyler, 1936)

17/12 Uma Hora Contigo [One Hour with You] (Ernst Lubitsch, 1932)

17/12 Rocha que Voa (Erik Rocha, 2002)*

18/12 A Sombra de Um Homem [The Salton Sea] (D. J. Caruso, 2002)

19/12 Harry Potter e a Câmara Secreta [Harry Potter and the Chamber of Secrets] (Chris Columbus, 2002)*

19/12 A Embriaguez do Sucesso [The Sweet Smell of Success] (Alexander Mackendrick, 1957)

21/12 Monte Carlo (Ernst Lubitsch, 1930)

22/12 A Oitava Esposa do Barba Azul [Bluebeard’s Eighth Wife] (Ernst Lubitsch, 1938)

22/12 Perseguição - A Estrada da Morte [Joy Ride] (John Dahl, 2002)

23/12 Os Reis do Iê Iê Iê [A Hard Day’s Night] (Richard Lester, 1964)

26/12 Microcosmos (Claude Nuridsany e Marie Perennou, 1996)

26/12 Garotas de Futuro [Career Girls] (Mike Leigh, 1998)

26/12 Toda a Nudez Será Castigada (Arnaldo Jabor, 1973)

27/12 Paris, Texas (Wim Wenders, 1984)

27/12 O Cavaleiro do Telhado e a Dama das Sombras [Le Hussard Sur le Toit] (Jean-Paul Rappeneau, 1995)

27/12 /Amor à Flor da Pele/ [Dut Yeung Nin Wa] (Wong Kar-wai, 2000)

28/12 A Princesa e o Plebeu [Roman Holiday] (William Wyler, 1959)

29/12 Sabotagem – O Marido Era o Culpado [Sabotage] (Alfred Hitchcock, 1934)

29/12 Topsy-Turvy (Mike Leigh, 1999)

2003

06/1 (001) Deus e o Diabo na Terra do Sol (Glauber Rocha, 1964)

06/1 (002) Mundo Cão [Ghost World] (Terry Zwigoff, 2000)

07/1 (003) /Luzes da Cidade/ [City Lights] (Charles Chaplin, 1931)

08/1 (004) Iris (Richard Eyre, 2001)

08/1 (005) O Homem Que Não Estava Lá [The Man Who Wasn’t There] (Joel Coen, 2001)

09/1 (006) Irma Vep (Olivier Assayas, 1996)

13/1 (007) /Fale com Ela/ [Hable con Ella] (Pedro Almodóvar, 2002)*

13/1 (008) /O Jovem Frankenstein/ [The Young Frankenstein] (Mel Brooks, 1974)

14/1 (009) Chuva de Pedras [Raining Stones] (Ken Loach, 1993)

14/1 (010) Ser ou Não Ser [To Be Or Not To Be] (Ernst Lubitsch, 1942)

15/1 (011) O Senhor dos Anéis: As Duas Torres [The Lord of the Rings: The Two Towers] (Peter Jackson, 2002)*

15/1 (012) Sexy Beast (Jonathan Glazer, 2001)

16/1 (013) Bem-vindos [Tillsammans] (Lukas Moodysson, 2000)

17/1 (014) Flash Gordon (Mike Hodges, 1980)

17/1 (015) Delicatessen (Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro, 1991)

18/1 (016) /Quero Ser John Malkovich/ [Being John Malkovich] (Spike Jonze, 1999)

19/1 (017) Arizona Nunca Mais [Raising Arizona] (Joel Coen, 1991)

20/1 (018) /Ladrão de Alcova/ [Trouble in Paradise] (Ernst Lubitsch, 1932)

20/1 (001) Zagati [curta] (Nereu Cerdeira e Edu Felistoque, 2003)

20/1 (019) Um Dia no Campo [Une Partie de Campagne] (Jean Renoir, 1936)

21/1 (020) Paixão de Fortes [My Darling Clementine] (John Ford, 1947)

22/1 (021) Jogo de Espiões [Spy Game] (Tony Scott, 2001)

22/1 (022) O Articulador [People I Know] (Daniel Algrant, 2002)*

22/1 (023) O Invasor (Beto Brant, 2001)

23/1 (024) 007 – Um Novo Dia Para Morrer [007 - Die Another Day] (Lee Tamahori, 2002)*

28/1 (025) Marnie – Confissões de Uma Ladra [Marnie] (Alfred Hitchcock, 1963)

30/1 (026) Carga Explosiva [The Transporter] (Louis Leterrier e Corey Yuen, 2001)*

01/2 (027) Onde Começa o Inferno [Rio Bravo] (Howard Hawks, 1958)

03/2 (028) Mediterrâneo (Gabriele Salvatores, 1991)

04/2 (029) /Os Suspeitos/ [The Usual Suspects] (Bryan Singer, 1995)

04/2 (030) Homicídio [Homicide] (David Mamet, 1991)

05/2 (031) O Homem que Matou o Facínora [The Man Who Shot Liberty Valance] (John Ford, 1962)

06/2 (032) O Homem que Queria Ser Rei [The Man Who Would be a King] (John Huston, 1975)

07/2 (033) Os Thornberrys [The Wild Thornberrys Movie] (Cathy Malkasian e Jeff McGrath, 2002)*

09/2 (034) Separações (Domingos de Oliveira, 2002)*

13/2 (035) /O Doce Amanhã/ [The Sweet Hereafter] (Atom Egoyan, 1997)

15/2 (036) Gangues de Nova Iorque [Gangs of New York] (Martin Scorsese, 2002)*

16/2 (037) Spider – Desafie Sua Mente [Spider] (David Cronenberg, 2002)*

21/2 (038) /Chinatown/ (Roman Polanski, 1976)

22/2 (002) Palace II (2000) [curta] (Kátia Lund e Fernando Meirelles, 2002)

22/2 (003) O Espantalho (1998) [curta] (1998)

22/2 (039) O Balão Branco [Badkonake Sefid] (Jafar Panahi, 1995)

23/2 (040) Adaptação. [Adaptation.] (Spike Jonze, 2002)*

08/3 (041) As Horas [The Hours] (Stephen Daldry, 2002)*

09/3 (042) Prenda-me Se For Capaz [Catch Me If You Can] (Steven Spielberg, 2002)*

14/3 (043) Lumière & Cia [Lumière et Compagnie] (diversos, 1995)

15/3 (044) 8 Mulheres [8 Femmes] (François Ozon, 2001)*

16/3 (045) A Professora de Piano [La Pianiste] (Michael Haneke, 2001)*

22/3 (046) Morangos Silvestres [Smultronstället] (Ingmar Bergman, 1957)

23/3 (047) Chicago (Rob Marshall, 2002)*

23/3 (048) As Férias de M. Hulot [Les Vacances de M. Hulot] (Jacques Tati, 1955)

27/3 (049) O Pianista [The Pianist] (Roman Polanski, 2002)*

28/3 (050) O Voto É Secreto [Raye Makhfi] (Babak Payami, 2001)*

29/3 (051) /As Regras do Jogo/ [La Règle du Jeu] (Jean Renoir, 1939)

30/3 (052) /Promessas de um Novo Mundo/ [Promises] (Carlos Bolado, B.Z. Goldberg e Justine Shapiro, 2001)*

01/4 (053) Os Guarda-Chuvas do Amor [Les Parapluies de Cherbourg] (Jacques Demy, 1964)

04/4 (054) O Filho Adotivo [Bashkempir] (Aktan Abdikalikov, 1998)*

04/4 (055) Pigmalião [Pygmalion] (Anthony Asquith e Leslie Howard, 1938)

05/4 (056) /Jules e Jim - Uma Mulher Para Dois/ [Jules et Jim] (François Truffaut, 1962)

10/4 (057) /História Real/ [The Straight Story] (David Lynch, 1999)*

13/4 (058) /Alemanha Ano Zero/ [Germania Anno Zero] (Roberto Rosselini, 1947)

16/4 (059) As Confissões de Schmidt [About Schmidt] (Alexander Payne, 2002)*

16/4 (004) Palíndromo [curta] (Philippe Barcinski, 2001)

27/4 (060) Terra e Liberdade [Land & Freedom] (Ken Loach, 1995)

30/4 (061) O Último Adeus [The Last Orders] (Fred Schepisi, 2001)

30/4 (062) Fora de Controle [Changing Lanes] (Roger Michell, 2002)

02/5 (063) /História Real/ [The Straight Story] (David Lynch, 1999)

02/5 (064) Canção na Estrada [Pather Panchali] (Satyajit Ray, 1955)

09/5 (065) Uma História Imortal [Une Histoire Immortelle] (Orson Welles, 1968)

11/5 (066) /O Filho da Noiva/ [El Hijo de la Novia] (Juan José Campanella, 2001)*

16/5 (067) Tiros em Columbine [Bowling for Columbine] (Michael Moore, 2002)*

17/5 (068) Halloween – A Noite do Terror [Halloween] (John Carpenter, 1978)

18/5 (069) /Janela Indiscreta/ [Rear Window] (Alfred Hitchcock, 1954)

23/5 (070) A Promessa [The Pledge] (Sean Penn, 2001)*

23/5 (071) Durval Discos (Anna Muylaert, 2002)*

23/5 (072) /Uma Relação Pornográfica/ [Une Liaison Pornographique] (Frédéric Fonteyne, 1999)

30/5 (073) A Última Noite [The 25th Hour] (Spike Lee, 2002)*

31/5 (074) Laranja Mecânica [Clockwork Orange] (Stanley Kubrick, 1971)

07/6 (075) Matrix Reloaded (Andy e Larry Wachowski, 2003)*

08/6 (076) 2001 – Uma Odisséia no Espaço [2001 – A Space Odyssey] (Stanley Kubrick, 1968)

08/6 (077) /Hedwig – Rock, Amor e Traição/ [Hedwig and the Angry Inch] (John Cameron Mitchell, 2001)

14/6 (078) Nelson Freire (João Moreira Salles, 2003)*

14/6 (079) Embriagado de Amor [Punch-Drunk Love] (Paul Thomas Anderson, 2002)*

20/6 (080) /Monstros S.A./ [Monster's Inc.] (Peter Docter e David Silverman, 2001)

20/6 (005) O Novo Carro de Mike [curta] (Mike's New Car, Peter Docter e Roger Gould, 2002)

20/6 (006) Para os Pássaros [curta] (For the Birds, Ralph Eggleston, 2000)

21/6 (081) Por Um Fio [Phone Booth] (Joel Schumacher, 2002)*

22/6 (082) /De Salto Alto/ [Tacones Lejanos] (Pedro Almodóvar, 1991)

23/6 (083) /Ladrão de Alcova/ [Trouble in Paradise] (Ernst Lubitsch, 1932)

01/7 (084) O Processo de Joana D’Arc [Procès de Jeanne D’Arc] (Robert Bresson, 1962)*

05/7 (085) /Psicose/ [Psycho] (Alfred Hitchcock, 1960)

07/7 (086) O Homem que Copiava (Jorge Furtado, 2003)*

11/7 (087) Paixão Proibida [Heavy] (James Mangold, 1995)*

11/7 (088) A Bela e a Fera [La Belle et la Bête] (Jean Cocteau, 1946)*

12/7 (089) /Noites de Cabíria/ [Le Notti di Cabiria] (Federico Fellini, 1957)

12/7 (090) /Paris, Texas/ (Wim Wenders, 1984)

14/7 (091) /Luzes da Cidade/ [City Lights] (Charles Chaplin, 1931)

16/7 (092) /Toy Story/ (John Lasseter, 1995) {Ver comentário abaixo}

16/7 (093) /Toy Story 2/ (John Lasseter, 1999) {A série, criada pela Pixar, é de uma inteligência e tenacidade que impressionam. Partindo de uma concepção original, os filmes ilustram de maneira brilhante os relacionamentos humanos espelhados em simples brinquedos. Dessa maneira, o quarto de Andy é um simulacro para tudo o que acontece em nossa sociedade. Temos a Batata mal-humorada, o caubói lidando com a rejeição, o dinossauro apreensivo com seus iguais, o astronauta com ego inflado, o cachorro-mola leal, etc. Não bastasse isso, ambos apresentam ótimas piadas e tocantes situações (Buzz descobre sua identidade nada glamourosa no primeiro e Jessi revela sua história no segundo). Dito isso, Toy Story 2 é em minha opinião levemente superior ao seu antecessor, pois tece uma história sobre a necessidade que todos temos de ser amado. São magníficos.}

16/7 (007) Luxo Jr. [curta] (John Lasseter, 1986)

16/7 (008) Tin Toy [curta] (John Lasseter, 1988)

17/7 (094) /A Pequena Sereia/ [The Little Mermaid] (Ron Clements e John Musker, 1989)

17/7 (095) Ring – O Chamado [Ringu] (Hideo Nakata, 1998)

17/7 (096) O Chamado [The Ring] (Gore Verbinski, 2002)

19/7 (097) /Três Reis/ [Three Kings] (David O. Russel, 1999)

21/7 (098) Procurando Nemo [Finding Nemo] (Andrew Stanton, 2003)*

22/7 (099) /Mundo Cão/ [Ghost World] (Terry Zwigoff, 2000)

23/7 (100) /A Viagem de Chihiro/ [Sen to Chihiro no Kamikakushi] (Hayao Miyazaki, 2001)*

24/7 (101) A Mão do Diabo [Frailty] (Bill Paxton, 2001)

25/7 (102) Tootsie (Sydney Pollack, 1982)

26/7 (103) A Loja da Esquina [The Shop Around the Corner] (Ernst Lubitsch, 1940)

27/7 (104) /Rocco e Seus Irmãos/ [Rocco e i Suoi Fratelli] (Luchino Visconti, 1960)

29/7 (105) /A Malvada/ [All About Eve] (Joseph L. Mankiewicz, 1950)

30/7 (106) A Um Passo da Liberdade [Le Trou] (Jacques Becker, 1960)

31/7 (107) /Adaptação./ [Adaptation.] (Spike Jonze, 2002)

31/7 (108) Sinfonia de Paris [An American in Paris] (Vincente Minnelli, 1951)

01/8 (109) Três Homens em Conflito [Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo] (Sergio Leone, 1966) ***

02/8 (110) A Última Sessão de Cinema [The Last Picture Show] (Peter Bogdanovich, 1971) ****+ {Um filme mágico. Além do retrato perfeitamente esquematizado de uma cidadezinha e seus supostamente pacatos habitantes, A Última Sessão de Cinema revela com sublime sensibilidade as aspirações e, especialmente, frustrações que os faz ser como cada um de nós, com problemas sim, mas desesperançados, nunca. Talvez seja essa capacidade de soprar "vida" em cada fotograma para o espectador que me fascina. É triste (preparem um lenço nos últimos dez minutos) mas acima de tudo sincero. Não se encontra todo dia um roteiro com essa capacidade ilimitada de conferir dignidade e confiança para enfrentar o cotidiano a quem já a perdeu e deseja restaurá-la. Obra-prima.}

08/8 (111) Dirigindo no Escuro [Hollywood Ending] (Woody Allen, 2002)* **

08/8 (112) /Desconstruindo Harry/ [Deconstructing Harry] (Woody Allen, 1997) *** Mais que pela diversão (leia-se: cinismo habitual, niilismo incorrigível, hipocondria inegável...), Desconstruindo Harry é memorável pela brilhante escrita que tem a capacidade de dissecar seus personagens farejando seus defeitos e virtudes, aproximando-os desta maneira a nós. O real e o imaginário se confundem de maneira igualmente brilhante pois deixa transparecer a contaminação do imaginário pela realidade, ou seja, o que o personagem de Allen escreve na ficção é fruto de situações reais vividas pelo mesmo, e daí ele pode interagir seu livro com suas memórias criando paralelos bastante instigantes. Mas é claro que o filme apresenta gags inspiradas (mais sutis que nos seus filmes mais recentes, no entanto), principalmente dentro do Inferno (é, o Inferno).}

08/8 (113) /Antes do Amanhecer/ [Before Sunrise] (Richard Linklater, 1995) ****+ {Minha única justificativa para cotação tão alta para um simples romance é uma só: diálogos. Essas comédias românticas padronizadas em escala industrial atuais não permitem que seus personagens troquem confidências/aspirações exceto nos cinco minutos finais, nos quais o que parecia improvável se transforma magicamente em palpável (leia-se: o homem supera todas as adversidades e faz uma bela declaração de amor para sua amada). Isso felizmente não acontece em Antes do Amanhecer. A dupla principal do filme parte de assuntos improváveis e universais (poesia, música, feminismo, sexo, família, destino, sonho, morte, astrologia, enfim, tudo que possa ser debatido) e finalizam seus questionamentos já no âmbito pessoal e particular. O que se inicia em uma linha de amizade/muitas-coisas-em-comum, parte para o encantamento pessoal (a cena do bar, na qual cada um liga para seus respectivos amigos e trocam confidências é magnífica). E tudo isso é catalisado pelo fato de ser apenas uma noite o encontro do par. Ou seja, aquela atmosfera onírica perpassa a conexão entre eles como se subitamente eles soubessem que precisam aproveitar cada minuto juntos, sem dormir ou desperdiçar palavras. O resultado é um pequeno-grande filme, com interpretações memoráveis da dupla Hawke/Delpy e observações apaixonantes sobre auto-descoberta, amor e paixão. Obs: Eu ainda penso se eles conseguiram se encontrar novamente, já que tudo me pareceu tão às pressas, tão confuso... Mas isso não justifica uma continuação, de maneira alguma. No imaginário é tudo mais fértil e divertido.}

10/8 (114) Truques da Paquera [Trick] (Jim Fall, 1999) *

17/8 (115) Porco Rosso [Kurenai no Buta] (Hayao Miyazaki, 1992) ***

17/8 (116) Amargo Reencontro [Tape] (Richard Linklater, 2001) ****

20/8 (117) Lua de Fel [Bitter Moon] (Roman Polanski, 1992) *

22/8 (118) Moloch [Molokh] (Aleksandr Sokurov, 1999) 0 {Nossa, só de pensar que esse troço é parte de uma trilogia sobre grandes figuras da História, eu tenho pena das vítimas dos próximos dois filmes. Moloch pode não ser um filme de todo ruim, uma bela fotografia em meio a nebulosidade da paisagem local funciona como sonífero perfeito. Na verdade, a contra-capa do DVD diz "Hitler e Eva Braun na intimidade". Não que isso soe exitante ou por um momento fugaz, revelatório; mas prometia uma observação interessante de um casal intensamente divulgado pela mídia. Não é o que acontece, Hitler na intimidade é um ser patético (será verdade?) com mania de grandeza e hipocondríaco, vejam só... Para Sokurov a vida do dirigente alemão é movida a pão e circo num circo de horrores banal. Provavelmente nem um historiador deva aturar tanta embrumação solene empacotada com aquele verniz prepotente conhecido como cult-art.}

23/8 (119) Italiano para Principiantes [Italiensk for Begyndere] (Lone Scherfig, 2000) ***

24/8 (120) /Manhattan/ (Woody Allen, 1979) **** {Asssiti Manhattan pela primeira vez aos 15 anos. Eu adorei. Mas agora, após dois anos eu gosto ainda mais. Não só porque desta vez eu tive condições de captar as discussões mais intelectuais (menções ao teatro, cinema e literatura norte-americanas e européias, por exemplo) como também porque o relacionamento do personagem de Woody Allen com a garota de 17 anos me despertou algo profundamente afetivo (sem o menor traço de pedofilia, tudo é muito sutil). E daí, observamos o protagonista se envolver com outra mulher e se desenvolver (nos dois sentidos). Sim, porque a vida, apesar dos percalços merece ser vista da mesma maneira que ele faz com a cidade de Nova York na belíssima introdução. Se envolver com outras pessoas adquire ressonância do amadurecimento como pessoa. É isso que eu adoro em Manhattan, a fé que Allen deposita nas pequenas coisas da vida (temporal momentâneo, andar de charrete no Central Park, conversar com seu filho) se estende na memorável lição que ele reivindica para seus personagens na seqüência final: "Você precisa ter mais fé nas pessoas". É a conclusão perfeita para um filme tão pessoalmente significativo.}

29/8 (121) Pacto de Sangue [Double Indemnity] (Billy Wilder, 1944) **** {O mito da femme fatale se sustenta nesse noir precioso. Testemunhamos a devoção de um homem perante uma mulher e como esse sentimento não-recíproco encontra percalços como a superação das convenções morais da sociedade em sua última instância: não matar. O uso do preto-e-branco por Billy Wilder é magnífico e a narração em off complementa os gestos de pura idealização que o protagonista nutre pela mulher. O filme funciona tanto como um suspense instigante quanto como uma investigação imparcial a respeito do louco amor que perpassa barreiras e caráter.}

05/9 (122) /Tempestade de Gelo/ [The Ice Storm] (Ang Lee, 1997) **

06/9 (123) Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939) *** {A Metro lançou Ninotchka em 1939 com uma curiosa tagline, entitulada: Garbo ri!. Assistindo ao filme têm-se a impressão de que seria melhor que a estrela da melancolia e sobriedade não emitisse um gesto de deleite para o público. A personagem, uma russa de cara amarrada que encontra o "sentido na vida" na Cidade Luz, é muito mais interessante e particularmente engraçada quando interage com um representante máximo do capitalismo (um advogado playboy) - e de tal contradição surge as rusgas entre ambos. O "toque" de Lubitsch, tão evidenciado na obra-prima Ladrão de Alcova se manifesta aqui justamente (e principalmente) até a previsível mundança de humor de Garbo. Até lá, o diretor cria uma pérola da comédia, que discute com clareza os princípios do socialismo e capitalismo e como estes influem no estado comportamental de cada um. Após essa súbita mudança, - ocorrendo na cena mais divertida do filme, dentro de um restaurante, onde a personagem não se controla e dispara uma gargalhada perante à queda do seu par da cadeira - Ninotchka se transforma em uma fábula moralista que impõe o way of life capitalista face ao tamanho "desprazer" comunista (a censura, a divisão de qualquer bem pessoal em nome da coletividade entre outros). Mesmo assim, é um filme engraçado, com atuações preciosas e inteligente na observação do amor na dinâmica das relações humanas.}

07/9 (124) /Amor à Flor da Pele/ [Dut Yeung Nin Wa] (Wong Kar-wai, 2000) ****+ {Como é maravilhoso algo como Amor à Flor da Pele, que nos traz elementos que perpassam a mera visualização, indo ao encontro do prazer sensorial verdadeiramente sinestésico (o vermelho da fotografia, a chuva, a fumaça do cigarro, os noodles). Estamos falando de experimentação narrativa. Afinal, é um filme de clima (o título americano é "In the Mood for Love", algo como "No Clima para o Amor"), momentos e situações. E tudo conspira para o amor... desde as belíssimas composições de Kar-wai até a trilha melodiosa de Nat King Cole. Mas nada é tão fácil. Os protagonistas se interagem com dúvidas e questionamentos sempre presentes, agem pensando nas conseqüências e não impulsivamente. É extremamente delicado o tratamento que um tem pelo outro. Tudo isso porque ambos são vítimas da traição de seus respectivos cônjuges. E daí, a melancolia dessa insólita situação dita as regras do jogo do amor para o casal. Isso ocorre já que, como se pode separar esse inevitável - ou não - romance de um certo revide que os dois estariam praticando contra o ato que os faz sofrer? Como distinguir se o sentimento que sentem é verdadeiro ou apenas uma forma de amenizar suas dores? O mais fascinante reside na sobreposição dos protagonistas na história de seus cônjuges (esses não têm suas faces reveladas na tela, o que acentua o jogo entre os quatro, permitindo maior verossimilhança enquanto "jogam"), como se quisessem saber de onde surgiu a repentina atração entre eles, quem deu o primeiro passo, o queambos têm em comum (já que cada um conhece os hábitos dos mesmos)... Logo, não se trata apenas de amor mas sim de superar mágoas passadas. Mas será que os alicerces da nova situação são suficientes para apagar o passado? Parece complicado mas não é. Graças ao excepcional domínio visual-artístico de Kar-wai, que cria situações exóticas e de grande impacto visual (observe os personagens - especialmente Maggie Cheung - descendo escadas) combinadas magicamente com a trilha incidental; e a magnífica dupla de atores Tony Leung e Cheung. Não espere emoções arrebatadas ou discursos grandiloqüentes. É um filme que transborda sentimentalismo ao seu modo, sutil e suavemente. Até mesmo o final, bastante melancólico, guardou ressonância para toda a minha vida provavelmente. Uma árvore não é apenas uma árvore, acreditem. Amor é cinema transcendental.}

12/9 (125) O Talentoso Ripley [The Talented Mr. Ripley] (Anthony Minghella, 1999) *** {Mais centrado no drama íntimo de seus personagens (leia-se: suspense psicológico), O Talentoso Ripley sucede de maneira fantástica em seu propósito. A narrativa contempla os devaneios de Ripley e suas armações para que suas "férias" se prolonguem por ainda mais tempo. E nisso, o roteiro é hábil ao expor o protagonista como um ser inseguro, que teme a rejeição ("Prefiro ser um alguém falso do que um ninguém verdadeiro", ele resume) personificada pelo playboy Dickie. É realmente prazerosa essa empatia do espectador com o anti-herói nesse filme inteligente e perspicaz, que conduz com maestria o elenco perfeito (a expressão meio ingênua de Matt Damon estimula a amoralidade que permeia a construção de seu personagem; os outros estão igualmente satisfatórios) e a história que adquire contornos sombrios rumo ao final. Destaque para a belíssima apresentação dos créditos iniciais.}

13/9 (126) A Flor do Meu Segredo [La Flor de Mi Secreto] (Pedro Almodóvar, 1995) *** {Almodóvar retrata, com as cores fortes de sempre e com um toque de surpreendente elegância, a vida de uma mulher em crise existencial. É claramente uma tentativa de abandonar conceitos kitsch dos tempos de Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos para se enveredar pelos caminhos mais lacrimosos do melodrama, do novelão sério e sóbrio (afinal, mulheres de meia-idade com problemas não é algo muito obscuro). E constrói um filme que não nega a inventividade dos anteriores elevando-os a um patamar levemente superior, justificado na excelente atuação de Marisa Paredes. Ressalvas apenas para algumas resoluções apressadas e no excesso de tramas paralelas. Não vá esperando algo no nível dos recentes Fale com Ela ou Tudo Sobre Minha Mãe (talvez A Flor do Meu Segredo seja um tantinho superficial, ou melhor, menos elaborado que os dois últimos), mas se prepare para se identificar pelo menos com algum dilema da protagonista nesse filme prazeroso.}

14/9 (127) Kiriku e a Feiticeira [Kirikou et la Sorcière] (Michel Ocelot, 1998) *** {Desenho animado com coração enorme, bela e simples animação e alguns apontamentos interessantes no que diz respeito à curiosidade infantil em relação aos temas universais, tão distantes e incompreensíveis ("Por que a feiticeira é má?", o garoto Kiriku pergunta). O menino sabe que a feiticeira devora seus companheiros de aldeia e retira do vilarejo sua fonte de água, mas ao mesmo tempo, não consegue acreditar que uma pessoa faça isso sem uma justificativa ou razão; e nesse sentido sua jornada adquire não só o sentido altruísta de preservar seu ambiente, como também de resgatar a humanidade da vilã. Kiriku e a Feiticeira mostra também que confiar em si mesmo independente da altura ou força é essencial. Ou seja, "lições de moral" embaladas em uma bela paisagem africana (precisamente dentro de uma aldeia - na qual podemos observar várias peculiaridades comportamentais ou mesmo o prosaísmo do cotidiano) e trilha deslumbrante.}

14/9 (128) Hi, Mom! (Brian De Palma, 1970) * {Brian De Palma surpreende os admiradores de seus trabalhos mais hitchcockeanos e adquire uma bizarra capacidade de contestar a sociedade (racismo, principalmente), atirando para todos os lados possíveis e acertando em quase nada (típico, tiro à distância sem envolvimento pessoal - resultado: experiência sem justa-causa). O que é mais peculiar reside no fato de se tratar de uma comédia/romance na primeira metade (e bastante interessante, parece uma mistura de Tootsie - pela falta de oportunidades profissionais do protagonista - e Janela Indiscreta - o politicamente incorreto ganha destaque com seu comportamento voyeur). Bem, a partir da leveza inicial extrai-se um jogo de oprimidos/opressores que desmascara a sujeira da sociedade e encontra na arte (teatro, no caso) um grito por justiça. E convenhamos, De Palma falando sobre a Guerra do Vietnã e mostrando cenas quase às escuras de estupro coletivo dentro de um mausoléu é, não só desagradável, como também desnecessário. Embora o filme sofra de dupla personalidade, eu ainda o acho uma experiência corajosa e, em certos momentos - bastante esparsos - vigorosa, como exercício cinematográfico para a expressão de uma "contracultura" daqueles anos.}

19/9 (129) Exótica [Exotica] (Atom Egoyan, 1994) **

20/9 (130) Conto de Inverno [Conte d'hiver] (Eric Rohmer, 1992)* ** {Ver comentário abaixo.}

20/9 (131) Conto de Primavera [Conte de Printemps] (Eric Rohmer, 1990)* *** {Esses dois filmes fazem parte da série "Conto das Quatro Estações" dirigidos por Eric Rohmer, renomado cineasta francês. Ambos fazem verdadeiras introspecções na vida de seus protagonistas examinando na troca do diálogo um pouco de seus pensamentos e angústias - o que substitui com extrema elegância o recurso surrado e simplista da narração em off. São filmes de muitas palavras e poucas ações, o que não é algo negativo a meu ver. Bem, quase. Conto de Inverno é bastante derivativo nas discussões que utiliza para justificar, ou pelo menos analisar, a dificuldade de escolha de uma protagonista indecisa e moralmente questionável. O filme me lembrou até do clássico da nouvelle vague Jules e Jim, no modo como a protagonista "brinca" com pessoas de seu convívio. No filme de Truffaut isso adiciona uma certa melancolia ao filme, afinal, Catherine não é mulher para um só, quanto mais para dois. No de Rohmer, essa indecisão (mesmo não caindo na complascência exagerada) evoca um clima de inconseqüência da protagonista perante ao público e isso não é bom. Mesmo assim é bastante gostoso de ver, bem leve e agradável. Já em Conto de Primavera, isso não ocorre, graças a uma protagonista maravilhosa: linda, inteligente, prática, justa. É como se você estivesse ouvindo duas pessoas que admira trocarem idéias e pensamentos que, mesmo à primeira vista desinteressantes, se tornam deliciosamente sustentados após algum tempo de projeção. A capacidade que Rohmer tem de criar situações prosaicas sob ótica do inesperado, da surpresa, da coincidência, do mágico me impressiona (vide o final de Conto de Inverno). Seu elenco fala muito mas fala bem, com consciência que da interação com outras pessoas surge a percepção de muito mais lúcida e vívida. Porém, depois de tantos vocábulos cultos (sim, é bem high level) o que queremos é que as pessoas em seus filmes ajam com coração, sejam "dionisíacas" em alguns casos. Talvez isso é o que me deixou com o pé atrás quanto a solução final de Primavera, eu queria que o instinto humano dialogasse com a inteligência e não que a inteligência domasse a capacidade humana de reagir com paixão e fúria, oscilando entre pólos opostos. É tudo muito controlado e contido, para o bem ou para o mal.}

24/9 (132) O Homem sem Passado [Mies Vailla Menneisyyttä] (Aki Kaurismäki, 2002) *** {Talvez a badalação em torno de O Homem sem Passado funcione contra o próprio filme. Não se deve esperar algo muito significativo do filme "mais premiado do ano", como se pode observar no verso da capa do DVD. É muito simples, gostoso, e funciona perfeitamente no esquema fábula-moderna-urbana. Tal qual o filme abaixo, apresenta o recomeçar de um homem frente à perda da identidade, não só da identificação no âmbito pessoal, mas também de sua relação com o mundo. É um filme que não tem um fio condutor, mas sim, desenvolvimentos paralelos, alguns tocantes (o relacionamento da dupla principal desenrola de forma bem satisfatória), outros engraçados (inconstantes, o humor de Kaurismäki é lançado de modo estranhamente mórbido e sem vida, o que rende alguns sorrisos amarelos). Essa descontinuidade narrativa ajuda no processo de reabilitação do protagonista em meio à classe com menor poder aquisitivo finlandesa, à medida que se supõe que a essência da vida são esses pequenos momentos que o filme mostra, aparentemente banais, mas preciosos no conjunto. Alguns comentários críticos a respeito das duras e intransigentes normas para voltar a ser um "alguém" (emprego, abertura de conta bancária se tornam tarefas impossíveis devido à ausência dos dados pessoais do protagonista) são feitos com leveza. A resolução, porém, é por demais conivente com as necessidades do protagonista; parece que sua vida pré-amnésia não interferiu em nada no cotidiano após o acidente, tudo se encaixa perfeitamente. Perdoável, claro. Filme charmoso, inteligente e tocante, ao seu modo peculiar de ver a vida.}

25/9 (133) Por um Sentido na Vida [The Good Girl] (Miguel Arteta, 2002) * {Por um Sentido na Vida é risível em seus propósitos e especialmente no seu verniz reflexivo da "segunda chance". Uma protagonista que começa e termina o filme com a mesma expressão monótona na face não é digna de causar tanta mágoa e ressentimento no restante do elenco, nem tanto aborrecimento e tédio no espectador. É realmente difícil que algo sobre um tema tão batido não consiga transparecer a essência verdadeira (leia-se: o eu-interior, puro e não-contaminado) de quem espera se redimir (isso é o mínimo que se espera). E isso acaba por deixar tudo em uma escala épica demais para tanta insignificância. Qual é o sentido em assistirmos a um filme que não mereça nossa complascência/piedade com a vontade de recomeçar de uma pessoa? É, nenhum.}

26/9 (134) A Mulher do Lado [La Femme d'à Côté] (François Truffaut, 1981)* ***

27/9 (135) Bem Me Quer... Mal Me Quer [À la Folie... Pas du Tout] (Laetitia Colombani, 2002)* **

28/9 (136) /O Senhor dos Anéis: As Duas Torres/ [The Lord of the Rings: The Two Towers] (Peter Jackson, 2002)* ***

29/9 (137) Sitcom - Nossa Linda Família [Sitcom] (François Ozon, 1998) 0 {Talvez eu devesse estar armado mentalmente contra o tipo de humor que Ozon usa para falar de sua família-parafuso. Eu só sei que não gostei do filme, na verdade o achei uma bomba-cult que trazia embalada uma série de atos chocantes (bacanais com pepinos [filho gay], tentativas de suicídio [irmã doida], o [brrrrrrrr] ato do incesto em dose dupla) e outras puramente clichês (o uso da figura de um psicólogo, o pai nada atencioso com a prole, a empregada esteriotipada como imigrante-pobretona-fogosa) etc. Mas agora, repassando algumas cenas, principalmente a do (segurem o fôlego e não leiam se não assistiram) rato-estuprador e do rato-refeição eu pude ter uma vaga noção das divagações um tanto neo-naturalistas do filme. Justamente esse ratinho desequilibra o núcleo familiar, daí eu tirei que o homem, no filme, é produto do meio (alterações de comportamento humano após a chegada do animal [se bem que eu estou generalizando "meio"), na teoria determinista mesológica (termo literário, nem sei se aplica no caso) e principalmente a zoomorfização da figura humana (canibalismo, incesto [nem sei se no reino animal tem essa pouca-vergonha]). Acho que terei a obrigação de rever e avaliar isso de novo (o bom é a duração de 77 minutos).}

30/9 (138) Arquitetura da Destruição [Undergångens Arkitektur] (Peter Cohen, 1989) *** {Documentário obrigatório o qual narra com imagens preciosas (reuniões militares, exposições de arte, planejamento de obras, cenas da Segunda Guerra Mundial entre outras) a verdadeira "missão" sanitária que Hitler empregou para dar vida a seus planos higiênico-sanitários. Nesse documentário, os planos nazistas se tornam verdadeiros movimentos estéticos a medida que utilizam a propaganda (cinema, rádio, jornal), ou seja, a arte para difamar o povo judeu, considerando-os uma espécie de semi-hereges, com sua arte maculada e disforme e sua capacidade de disseminar doenças para os alemães "puros". Logo a estética judia é usada pela estética "perfeita" alemã como forma de alienação, de causa para os males da sociedade da década de 30 (sociedades paupérrimas devido a Crise de 1929 em Nova Iorque). E o mais interessante é que nessa discussão ética/estética, o documentário retrata os inúmeros projetos artísticos que Hitler pretendia tirar do papel após seu "Império dos Mil Anos" fosse concretizado (na verdade a duração foi de apenas 12 anos), o que estabelece uma discussão interessante diante de pontos de vista e da maneira como cada um vê a arte do próximo. E daí surge a intolerância do nazismo contra quem mantivesse ideais desiguais ou diferentes de beleza artística. O mais triste é constatar que a falta de compreensão daqueles regimes totalitários se manifesta ainda hoje, mesmo que em menores proporções. Arquitetura é também didático com seu foco nas resoluções da Segunda Guerra Mundial e no extermínio de judeus e outras minorias no auge dos acontecimentos.}

02/10 (139) A Vida de Brian [Monty Phyton's Life of Brian] (Terry Jones, 1979) ****

03/10 (140) Encontros e Desencontros [Lost in Translation] (Sofia Coppola, 2003)* ***

04/10 (141) O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante [The Cook, the Thief, His Wife and Her Lover] (Peter Greenaway, 1989)* *

05/10 (142) /Eleição/ [Election] (Alexander Payne, 1999) **** {É impressionante a capacidade de Alexander Payne de criar em uma escola de Ensino Médio um microcosmo para toda a sociedade, não só a americana. Cada pesoa está representada em sua essência na visão ácida, bem-humorada e cruel do diretor. É genial.}

05/10 (143) Aos Treze [Thirteen] (Catherine Hardwicke, 2003)* *

06/10 (144) Prova de Amor [All the Real Girls] (David Gordon Green, 2003)* **** [pode chegar à ****+] {Eu conversei com um adolescente, que estuda Cinema na UFF, durante o final da sessão de Elefante e eu perguntei se ele tinha gostado de Prova de Amor. Respondeu-me que achou o filme banal. (1...2...3...aprenda a respeitar a opinião dos outros, o que é banal para alguns pode ser precioso para outros [retirado do Guia Para Uma Vida Mais Harmônica]). Eu só sei que enquanto os créditos estavam rolando, estava maravilhado com a perfeita conjugação de banalidade (reparem que o uso aqui é absolutamente afetivo) e poesia. Acho que o jeito meio bucólico de representar a natureza no filme me encanta, o modo como ele filme o vento balançando a vegetação local, ou como os personagens interagem entre elas (as cenas mais importantes do filme se passam em campos abertos, florestas coníferas etc). O filme transpira mesmo um ar de episódio esticado de Dawson's Creek mas...não é [excelente elaboração]. Basta dizer que a poesia minimalista do diretor não me deixou nem um pouquinho irritado; tem um famoso diálogo que afirma: "...e estava tão feliz que inventei manteiga de amendoim...", que incomoda alguns por ser um tanto antiquado. Mas me diga, o amor não é antiquado? Grave uma conversa de um casal de namorados e veja o que sai, fora os eu-te-amo da vida só tem pequenos traços de minimalismo expressionista (minimalismo porque só tem banalidades [no sentido positivo novamente] e expressionista porque em cada besteira pronunciada revelamos uma aspecto de nós mesmos; como se para aquela pessoa especial, que nos completa, estivéssemos nos mostrando como pessoas simples, sem complicar o fácil) não é? Talvez a cena mais linda do filme seja a do hospital na qual o protagonista e sua mãe se vestem de palhaços e tentam alegrar a vida das crianças ali internadas; é sublime a combinação música/posicionamento de câmera/edição, provavelmente é o ápice emocional do filme, de alguma forma (tem um ar de melancolia, e suavidade o tom da seqüência). E tudo isso para nem dizer que Prova de Amor examina como poucos outros filmes o relacionamento amoroso. Pena que esse comentário saiu tarde demais (em 24/11/03) e eu não possa elaborá-lo como queria (preciso vê-lo de qualquer maneira para maiores detalhes). Mas de uma coisa eu sei, eu estava muito, muito feliz quando voltava para casa após a sessão. Gordon Green fala do amor como construção conjunta, um quebra-cabeças. Aqui, ele não procura explicações, mas nos dá as peças (observem como a cena final pede que cada espectador personifique um interlocutor da ação mostrada). Meu favorito do ano, de longe.}

07/10 (145) Elefante [Elephant] (Gus van Sant, 2003)* 0

07/10 (146) American Splendor (Shari Springer Berman e Robert Pulcini, 2003)* **

07/10 (147) /Bem-Vindo à Casa de Bonecas/ [Welcome to the Dollhouse] (Todd Solondz, 1995) ***

08/10 (148) Um Certo Carro Azul [Blue Car] (Karen Moncrieff, 2002)* **

09/10 (149) Migração Alada [Le Peuple Migrateur] (Jacques Perrin, 2001)* * {A beleza das imagens de Migração Alada compensa qualquer falta de interesse de minha parte com um documentário sobre a migração de aves. É uma justaposição de imagens de pássaros tendo como pano de fundo os lugares mais inóspitos e belos do planeta. Mas, zzzzzzzzzzzz. Durante a primeira meia hora você se sente fascinado com a "coragem" (sim, são milhas e mais milhas) deles e curioso com esse ritual que é descrito pelo narrador do filme, extremamente ausente, como uma promessa de vida. Zzzzzzzzzzzzz. O mais impressionante é que o filme é realizado pela mesma equipe do magnífico Microcosmos. Talvez o que faltou aqui foi a ausência de conexão entre animais/espectador. Exemplificando: Microcosmos foi "vendido" como um Jurassic Park em seu próprio quintal. E era muito mais interessante por isso; qualquer atividade que fazemos normalmente, requer imenso sacrifício daqueles seres. E daí surgia uma empatia, pelo menos de minha parte. Já, em Migração não há qualquer razão para temermos o roteiro daquelas aves, mesmo sendo tão edificantes quanto as ditas "promessas de vida". Mas até que valeu a pena. Obs: O Brasil é representado por araras, ou pelo menos bichos semelhantes às mesmas. Estranho que, creio eu, araras não migram e mais, essas criaturas são mostradas como personagens do tráfico ilegal de animais silvestres (uma até consegue escapar do cativeiro - fofinha). Ou seja, é nóis na fita, mano!}

11/10 (150) Donnie Darko (Richard Kelly, 2001) **

12/10 (151) /Tudo Sobre Minha Mãe/ [Todo Sobre Mi Madre] (Pedro Almodóvar, 1999) **** {Melodrama de altíssimo nível, emociona pela belíssima homenagem almodovariana às mulheres. No roteiro, ele cria um protótipo do universo feminino em um ambiente com algumas personagens interagindo com a protagonista Cecilia Roth. A atriz, em atuação irretocável, parece representar uma síntese de todas as mães/mulheres existentes. Parece personificar a graça e a beleza do ser mãe com o discernimento e reflexão de pertencer a um mundo e, de certa forma, às pessoas que dele fazem parte. Por isso, Tudo Sobre adquire um caráter mais pessoal dependendo do espectador e de sua familiaridade com sentimentos como esses. Nesse filme, temos a impressão que seus personagens não podem existir senão no terreno do kitsch. Há sempre alguma observação oportuna da mulher moderna, resolvida; mas também, as cores vivas e fortes do romantismo "brega" continuam arrebatando o filme em seus melhores momentos. Almodóvar ri das convenções misturando travestis, freiras grávidas soropositivas, viciadas em droga e lésbicas e o resultado é memorável, porque nunca pende para a porção caricatual, mas sim para o inusitado; e o inusitado é trabalhado magnificamente pelo diretor (basta ver os argumentos de seus trabalhos anteriores e do posterior Fale com Ela). Só não se encaixaram bem as menções em relação à doação de órgãos e a estrutura extremamente enxuta do roteiro, a impressão que tive foi a de que um roteiro de três horas foi condensado para metade dessa duração; não que isso prejudique o filme, apenas confere ao mesmo uma certa agilidade demasiada.}

12/10 (152) Beijando Jessica Stein [Kissing Jessica Stein] (Charles Herman-Wurmfeld, 2001) ** {Beijando é uma comédia romântica inofensiva, porém bastante agradável. Tem um texto elegante embora calcado no politicamente correto (o que o torna mais leve). Até o tema do lesbianismo é tratado como algo qualquer; o que não deixa de ser positivo, já que o filme nunca parece se auto rotular de "comédia gay", mas sim sobre descobertas pessoais. E isso, mesmo parecendo clichê (e até certo ponto o é), é louvável pela descrição mais realista e cosmopolita de pessoas, que independente da opção sexual, são pessoas como outras quaisquer. Essa capacidade de criar situações comuns a qualquer comédia heterossexual numa que aborda o universo gay evita qualquer momento exageradamente caricatual. Adendo: O sueco Amigas de Colégio é ainda mais doce e belo. Em exibição no canal pago Telecine Emotion.}

12/10 (153) Escrito nas Estrelas [Serendipity] (Peter Chelsom, 2001) ** {Talvez eu precisasse mesmo de uma bobagem romântica, ou talvez estivesse de bem com a vida, mas provavelmente Escrito nas Estrelas é a comédia romântica mais simpática desde o ótimo Um Lugar Chamado Notting Hill. O mais interessante no filme é que o roteiro formulaico e absolutamente desatualizado (será que as mulheres ainda precisam de "sinais do destino" para tomarem uma simples decisão?) funciona de forma maravilhosamente retrô (é, possivelmente eu estava de muito bom humor). A razão deve ser mesmo o fato do casal estar separado durante 95% da duração, o que evita o cuti-cuti irritante de qualquer filme atual (as comédias de Lubitsch, Hawks, Sturges são mágicas) do gênero. Água-com-açúcar, mas nem por isso menos encantador.}

14/10 (154) /Magnólia/ [Magnolia] (Paul Thomas Anderson, 1999)* ****+

15/10 (155) Eureka (Shinji Aoyama, 2000)* **

17/10 (156) /Ônibus 174/ (José Padilha, 2002)* **** {A análise psicológica/sociológica do filme de Padilha é uma dos trabalhos mais brilhantes e comoventes que já vi. O documentário vai desde a ironia ("Isso não é um filme americano!", grita Sandro, o assaltante) apresentada com a denúncia social (acho que nem preciso exemplificar, basta olhar qualquer esquina da região metropolitana do Rio de Janeiro) até no riso nervoso (os mal equipados policiais cariocas em cenas desastrosas) numa postura marcadamente fria, sem excesso de sentimentalismo nem piedade. As cenas finais são de parar o coração mesmo para quem testemunhou tudo pela televisão. Para quem ainda acha que documentário é total isenção, ou seja, uma forma de arte em que somente a habilidade artística é utilizada sem um pensamento intelectual por trás de tudo (talvez só para organizar os acontecimentos); vai ficar enganado com as maravilhosas tomadas aéreas do Rio, que estabelece toda a antítese afirmada no filme (prédios luxuosos X favelas etc) e principalmente, com uma cena na penitenciária, na qual tudo é filmado com imagem negativa (como os negativos de uma fotografia), o que protege a identidade dos presidiários além de mostrar a condição sub-humana do local. Ônibus 174 é hipnotizante e magnífico em sua estrutura.}

17/10 (157) /Irresistível Paixão/ [Out of Sight] (Steven Soderbergh, 1998) *** {Delicioso durante toda a sua duração, essa adaptação de um livro de Elmore Leonard (o qual não li) faz excelente uso do recurso freeze-frame para delimitar algum aspecto pessoal de cada personagem (se encaixam muito bem na trama, pois concedem um ar bem cool e naquele momento, as "vítimas" do recurso estão fazendo algo que as representa enquanto pessoas, conferindo um tanto de credibilidade à trama). J-Lo e Clooney tem ótima química (excelentes diálogos), daí lamento que o tempo da dupla em cena seja um tanto restrito. Quando os dois estão separados, o roteiro (leia-se: a preparação do grande golpe) vira clichê puro, facilmente esquecível (brincadeira cretina: fora de vista [= out of sight], "fora" da mente). Mas é diversão das melhores.}

18/10 (158) Conto de Verão [Conte d'été] (Eric Rohmer, 1996)* *** Ver os comentários 130 e 131. {Acho que nos filmes dessa série cada um escolhe o seu favorito segundo critérios estritamente pessoais. Isso se aplica (ou pelo menos deveria) porque são filmes que só funcionam caso relacionem com alguma parte de quem o assiste. Como explicar a minha opinião negativa pelas indecisões egoístas da protagonista de Inverno e achar que o de Verão plenamente justificáveis. O dilema amoroso desse filme me parece mais verdadeiro e suave que nos outros. Talvez por ser apenas despretencioso, ou pelo clima mais aprazível (é verão!). Outro aspecto marcante é a descrição dos diversos tipos de amor, o que se aproxima mais da amizade (logo, o mais terno), o carnal (desejo mútuo) e o quase espiritual (devoção quase completa, não necessariamente correspondido) Etc.}

18/10 (159) Abaixo o Amor [Down with Love] (Peyton Reed, 2003)* *** {Para assistir Abaixo o Amor é necessário espírito crítico para observar em cada cena um chavão constrangedor e um clichê embaraçoso. Isso porque o filme deve ser encarado como uma homenagem das mais cintilantes (as cores do Technicolor são deslumbrantes, vivíssimas) às comédias da dupla Day/Hudson e de diretores "screwball/muitas-gags-por-minuto" como Hawks e Sturges. Esses elementos batidos conferem ao filme um clima retrô especial que se manifesta em cada cena exageradamente encenada, com trejeito artificiais (nisso Zellweger está ótima) e excesso de adereços. Vejamos: a tela dividida durante as conversas ao telefone; a imensa explicação de Zellweger para McGregor nos minutos finais (sempre nos finais) confessando seu plano de dominação feminina; na suposta inocência das evidentes conotações sexuais da história (brincadeiras com telescópios e meias, uma cena maravilhosa na qual a dupla conversa ao telefone e os movimentos dos dois indicam o ato sexual, caso a tela não estivesse dividida [difícil descrevê-la]), a história no contexto da Revolução Sexual, daí todo o cuidado na abordagem sexual; a chuva que começa exatamente quando Zellweger "dá um fora" em McGregor (é só associar, chuva:lágrimas); o final fofinho (se bem que isso é bem comum no gênero); a abertura divertida com cartões. Em suma, excelente diversão.}

18/10 (160) O Amor Custa Caro [Intolerable Cruelty] (Joel Coen, 2003)* * {Grande decepção, pouco engraçado, esquecível, crítica pífia a sociedade americana incapaz de cumprir metas (associe metas à casamento) e "viciada" em proteger o "seu" (contratos pré-nupciais). As reviravoltas finais são bem mal desenvolvidas e o filme parece longo em apenas 99 minutos. É pena que um filme com a mão dos Coen tenha que apelar para recursos patéticos de humor (o parceiro de Clooney que chora em casamentos), embora sem o uso de escatologia (pelo menos). Fora isso, o discurso sobre a valorização do amor frente ao dinheiro (o que é particularmente estranho frente a um grupo de advogados [nota: que preconceito, Guilherme! Você vai ser um, hipócrita!]) me parece um tanto condenscente; é o mais desgastado recurso do "arrependimento-antes-tarde-do-que-nunca" já utilizado de todos os tempos (ainda bem que o filme não acaba aí, ainda tem mais uma reviravoltazinha para engrossar um pouco mais o molho). Ah, Zeta-Jones (se bem que é um tanto incrédula sua personagem, mudando de comportamento de forma um tanto rapidinha demais) e Clooney estão bem, até. Cena engraçada (fora os, na maior parte inteligentes, diálogos corrosivos [especialmente o da senhora responsável pela transcrissão, realçado ainda mais pela sua tranquilidade inabalável]): o matador de aluguel confunde o aparelhinho de asma com o cano do revólver e... quem adivinhar ganha um doce!}

19/10 (161) A História de Adèle H. [L'Histoire d'Adèle H.] (François Truffaut, 1975)* * {Uma decepção em se tratando de Truffaut e sua ternura empregada na compreensão das mulheres. Poderia ser menos envolvente? Poderia ser mais carregado "nas tintas" (o exagero, o exagero...)? A história, real, aborda um estudo (estudo ou divagação?) do amor, não apenas auto-destrutivo, mas que também desconstrói o mundo a sua volta (clichê, clichê). Isabelle Adjani carrega o filme nas costas mas sua personagem (filha de Victor Hugo, por isso o H. do título [será que foi isso que atraiu a atenção de Truffaut?]) é pintada de maneira tão insana e obssessiva, que achar alguma motivação para tanta devoção a um oficial inglês é trabalho árduo. A cena final cai no melodrama mais banal.}

19/10 (162) /Maridos e Esposas/ [Husbands and Wives] (Woody Allen, 1992) ****

24/10 (163) /Se Meu Apartamento Falasse/ [The Apartment] (Billy Wilder, 1960) ****+ {Um dos filmes mais mágicos, tristes e engraçados que já vi, provavelmente o melhor filme de Wilder (pelo menos tão bom quanto Crepúsculo dos Deuses). Basta dizer que o que me encanta mais em Se Meu Apartamento Falasse é a melancolia do filme, os espaços entre os personagens (e quando digo isso não me refiro somente à relação patrão/empregado, mas principalmente entre o casal [ambos excelentes], eles não se tocam) e cada cena de rachar o coração (o espelho quebrado que reflete o estado de espírito da personagem de MacLaine, o encontro entre ela e o patrão num piano-bar ["Eu já devia saber, quando se está apaixonada por um homem casado não se deve usar maquiagem", diz, enxugando as lágrimas etc]). Filme magnífico, imensamente tocante (que final fofo!) e extremamente inteligente. Quase impossível não adorá-lo.}

25/10 (164) O Declínio do Império Americano [Le Declin de L'Empire Americain] (Denys Arcand, 1986) 0

25/10 (009) Terra sem Pão [curta] (Las Hurdes / Terra sin Pan, Luis Buñuel, 1932)

25/10 (165) Os Esquecidos [Los Olvidados] (Luis Buñuel, 1950) ****+

26/10 (166) /Os Esquecidos/ [Los Olvidados] (Luis Buñuel, 1950) ****+

26/10 (167) Gato Preto, Gato Branco [Crna Macka, Beli Macor] (Emir Kusturica, 1998) *** {Comédia deliciosamente enérgica, do tipo levanta-defunto... Nem sei se é original (pelo que parece, Kusturica já trabalhou no gênero comédia-cigana) mas é muito animado, mais ou menos como Um Casamento à Indiana só que sem as chuvas torrenciais e com uma pitada trash, incrivelmente elegante e discreta. Difícil me envolver tanto com uma assumida doideira dessas (talvez pelo sentimentalismo saudável na descrição de costumes ciganos e das pessoas da comunidade). Vale dizer que a cena do casamento, longa e cheia de percalços, é hilariante.}

28/10 (168) Intimidade [Intimacy] (Patrice Chéreau, 2001) ** {O argumento de Intimidade é bastante parecido com o de Uma Relação Pornográfica, discutindo a complexidade do sexo, não como momento íntimo mas sim, como angústia necessária. Embora não alcance a poesia de Relação, esse aqui ainda tem algo de interessante a ser debatido. O filme é basicamente centrado na figura masculina e nas suas relações intra e extra-pessoais, e talvez esse seja o ponto fraco do filme. Confia toda a capacidade dramática da história em picuinhas com amigos ou em drama familiar clichê (e extremamente mal-resolvido, aliás). Mas quando sua parceira abre a boca (os dois só interagem lá para os 45 minutos finais), Intimidade é extremamente comovente, porque ela parece superior a todos os clichês de anti-heróis (afinal ela trai o marido com um perfeito desconhecido), sendo construída com uma humanidade assobrosa. Humanidade essa, que pode não faltar ao protagonista masculino, mas que resulta em embaraçosos clichês que vão desde perda da dignidade à egoísmo puro-e-simples. Talvez a suposta verossimilhança do personagem reside no fato de não se contentar com encontros furtivos mas sim com algo que complete ele e sua solidão (uma Londres fria retrata muita bem isso), mas mesmo assim não há uma construção genuína de modo que as vezes as coisas podem ser comparadas à um melo-porn. Ah é, são 30 minutos de sexo explícito. Gratuitos? Sim, não acrescentam nada. Mas a discussão sobre distância e a conseqüente intimidade é positiva e bem elaborada. Pena que a caracterização de personagens é tão irregular}

29/10 (169) Que Sabe Você do Amor? [The Uncertain Feeling] (Ernst Lubitsch, 1941) **

30/10 (170) /Broadway Danny Rose/ (Woody Allen, 1984) ** {O doce sentimento de nostalgia (preto-e-branco, a narração é feita por uma roda de amigos etc) que permeia todo o filme adiciona certo interesse a uma história um tanto frágil. Talvez prejudicada pela química entre Farrow e Allen, um pouco estranha, e sua suposta "aceitação" para digerir o final do filme, bem simplório. Mas antes disso é um dos mais deliciosos do diretor, com gags certeiras (quando o personagem de Allen abre a boca e começa a enumerar todas as pessoas que gerencia [cada um mais desconexo que o outro] o filme ganha pontos pela originalidade) e essa nostalgia já mencionada anteriormente, que confere uma delicada aura romântica aos empresários do show business, de algum modo, "patrono$" da arte contemporânea.}

30/10 (171) Em Busca de um Homem [Will Success Spoil Rock Hunter?] (Frank Tashlin, 1957) *** [pode chegar à ****]

31/10 (172) Trapaceiros [Small Time Crooks] (Woody Allen, 2000) * {Panorama geral: a visão de Allen sobre os novos-ricos é tão sofisticada quanto o argumento de A Família Buscapé. Se na primeira meia hora teríamos uma comédia meia-boca mas inteiramente deliciosa (retomando os tempos do humor pastelão de Um Assaltante Bem Trapalhão e O Dorminhoco), nos últimos 2/3 tudo cai na rotina. E com um tema tão interessante como a ascensão social de dois peixes-fora-d'água no ambiente claustrofóbico da elite nova-iorquina, isso é quase imperdoável. Mas até que tem seu charme, sabe-se lá onde.}

02/11 (173) O Sucesso a Qualquer Preço [Glengarry Glen Ross] (James Foley, 1992) ****

05/11 (174) ABC África (Abbas Kiarostami, 2001)* *

06/11 (175) Nós que Aqui Estamos por Vós Esperamos (Marcelo Masagão, 1999) ****

06/11 (176) /Nós que Aqui Estamos por Vós Esperamos/ (Marcelo Masagão, 1999) ****

07/11 (177) /Embriagado de Amor/ [Punch-Drunk Love] (Paul Thomas Anderson, 2002) ****+

07/11 (178) /Embriagado de Amor/ [Punch-Drunk Love] (Paul Thomas Anderson, 2002) ****+

08/11 (179) /Embriagado de Amor/ [Punch-Drunk Love] (Paul Thomas Anderson, 2002) ****+

08/11 (180) /Embriagado de Amor/ [Punch-Drunk Love] (Paul Thomas Anderson, 2002) ****+

09/11 (181) /Embriagado de Amor/ [Punch-Drunk Love] (Paul Thomas Anderson, 2002) ****+

09/11 (182) Bola de Fogo [Ball of Fire] (Howard Hawks, 1941) *** {Mesmo sendo pouco menos engraçado do que esperava, me surpreendeu pela leveza e sinceridade (característicos do cinema de Hawks, curriculum invejável) com que trata da penetração do amor na comunidade puritana-de-hábitos-reclusos-mas-de-bom-coração. Talvez pudesse ter uns vinte minutos cortados (o clímax do filme é por demais longo, o que prejudica a já pequena capacidade de surpresa de um romance típico) já que o roteiro de Bola de Fogo é um arremedo que vai desde Pigmalião à Branca de Neve e os Sete Anões etc, mas a sensualidade implícita-quase-explícita e as faíscas do maravilhoso casal Cooper/Stanwych são impagáveis. Não percam (Telecine Classic).}

09/11 (183) /Crepúsculo dos Deuses/ [Sunset Blvd.] (Billy Wilder, 1950) **** {Após uma certa reflexão, eu estou quase tirando o + ali de cima [nota: feito dia 18/11]. Não sei bem, Crepúsculo conseguiu prender minha atenção de maneira invejável, o que é raro. Mas por outro lado eu não posso deixar de pensar que a crítica incisiva apoiada na austeridade imponente do visual do filme encolheu um pouquinho em seus propósitos. Talvez a trama de "adoção" de Holden por Swanson encerra uma visão um tanto mal direcionada, sem uma conclusão (plenamente) satisfatória (não a conclusão do filme mas sim o desfecho do "caso"), assim como o casinho infantil entre o portagonista e a garota deslumbrada e o peso na consciência decorrente da traição ao amigo. São pequenas coisas, ainda menores se comparadas com o brilho da narração em off que confere agilidade e vitalidade impressionantes ao filme (se bem que não deixa de ser um recurso fácil), assim como o elenco 10 e a cena final, o close-up mais melancólico e significativo do cinema. Para efeitos meramente comparativos, A Malvada é, para mim, ainda melhor.}

10/11 (184) Waking Life (Richard Linklater, 2001)* 0 {Olha, eu nem vou dizer/escrever uma besteira como "filosofia de botequim" para Waking Life; porque eu tenho quase certeza de que as filosofias em meio ao álcool são mais humanas e sentimentais (ou pelo menos debatidas com um mínimo de interesse por quem as defende) que as expostas no trabalho de Linklater. O visual impressionista/expressionista em constante transição indica sobre o que se vai falar: a precariedade da vida, fugacidade da matéria, transcendência da alma, manutenção da identidade própria quando suas referências pessoais são apagadas; em suma, interessante, estimulante. Bem, estimulante era o que eu precisava para terminar de assistir a esse engodo. A solenidade com que tudo é abordado e a frieza com que as palavras são lançadas simplesmente arrasam com qualquer tentativa de "realismo mágico", crachá que Linklater insiste em exibir no filme. O mais interessante é que no começo tudo parece desafiador mas depois de alguns poucos minutos a insistência em um vocabulário requintado destrói qualquer vestígio da "singularidade simples" de outras fitas do diretor como Antes do Amanhecer e Amargo Reencontro e acaba por dar ao filme um tom pesado, quase cárcere da transcendência que Linklater planejava alcançar. O resultado final é triste pela reflexão vazia e principalmente pois se constituir em poesia vaga, nebulosa mas que não nos deixa respirar, criando um acúmulo de um irritante non-sense cerebral sem nexo nem estrutura. De qualquer modo vou tentar revê-lo em vídeo (com o abençoado botão "stop"), mas não prometo nada. Tremenda bola fora!}

11/11 (185) /A Viagem de Chihiro/ [Sen to Chihiro no Kamikakushi] (Hayao Miyazaki, 2001)* ****+ {É fácil um filme despertar fascínio quando retrata universos paralelos. Geralmente o resultado é satisfatório pela interação mais forte entre espectador e protagonista, já que a postura de desbravador de um mundo novo adquire reflexo para quem o assite. Todas as provações que a personagem enfrenta são também nossos obstáculos para a verdadeira compreensão das leis que regem esse "novo mundo". Difícil é um filme manter esse pique de constante descoberta e encantamento durante duas horas. A Viagem de Chihiro faz o fácil, o difícil e o impossível. As conquistas da menina Chihiro são nossas conquistas, seu desejo de rever seus pais sob forma humana é também o nosso, seus esforços para salvar Haku são incentivados por nós. É uma coisa linda, o filme. Desde as interessantes menções aos nomes como identidade pessoal e a importância de não negá-los ou esquecê-los (no caso, um nome simboliza como você é chamado no meio em que vive, especialmente no familiar, logo, esquecê-los significaria a perda gradual dos valores familiares) até a gloriosa (sem ironia) lição de "não-há-nada-melhor-que-o-nosso-lar" com a valorização do Japão tradicional, com suas casas de banho e um "doce misticismo" (por falar em místico, Chihiro viajando naquele trem pelas águas é provavelmente a cena mais arrebatadora que já vi em uma animação).}

13/11 (186) Todas as Mulheres do Mundo (Domingos de Oliveira, 1967) *** {Meio decepcionante... Inegavelmente divertido e um tanto original naquelas colagens nos primeiros minutos, assim como é perceptível na apresentação dos personagens o estilo Allen de introduzir elementos à narrativa; mas também os rompantes românticos seguem absolutamente a cartilha clássica da típica comédia romântica. É uma delícia de filme (repito, principalmente as do início com destaque para a minha favorita: o galanteio na biblioteca, linda cena; outra bonita: Paulo José persegue Leila Diniz e a observa dando aula) e me lembrou sim de Jules & Jim do Truffaut, especialmente quando o ex-namorado de Diniz morre e ela fica toda cabisbaixa, é o típico "sintoma" do filme de Truffaut: letargia/desilusão amorosa X energia/amor satisfatório, fora o fato da atriz se comportar como "mulher de ninguém", tem aquele indefectível espírito livre etc. Todas as Mulheres do Mundo só enfraquece quando Paulo José trai a moça, ela sai do apartamento dele, depois volta e nesse meio tempo ele vira alcóolico-em-transição etc, mais clichê, impossível. Aqui também temos um discreto recurso da narração em off (do qual não gosto porque verbaliza o que seria expresso nas situações criadas e expressões faciais dos atores, em suma, recurso fácil) e um bate-papo entre um mulherengo (dono do ótimo monólogo inicial: "Não dá pé!") e o Paulo José, convertido à monogamia. Também né, com Leila Diniz são outros 500...}

14/11 (187) Delicada Atração [Beautiful Thing] (Hettie Macdonald, 1996) ** {Acho que o fato de ser realizado com baixo orçamento, ajudou muito Delicada Atração em seus propósitos. "Dois jovens (homens) descobrem o amor (sim, gays) na periferia londrina", é, né, triste! Mas a realização extremamente modesta; uma personagem deliciosa, fã de música brega e desbocada; elenco excelente; belas cenas de relacionamento pais-é preciso amar...-filhos etc. Um dos jovens tem uma mãe atendente de bar e namora um cara mais jovem, ela não dá atenção ao filho (ainda bem que o roteiro não transforma isso em desculpa ou motivo para a homossexualidade do personagem, já pensou se fosse, qualquer filho de executivo... nem pense!) etc; o outro tem um irmão bruto (não, ele não foi estuprado quando criança) e um pai igualmente severo (totalitário, quase) que bate nele etc. Daí, da dor o... Ok, parece idiota, mas cenas de raro poder dramático (a mãe descobre a opção do filho, a "dança" livre de preconceitos final) se impõe sobre o abuso de clichês de famílias imperfeitas. Longe de ser um Amigas de Colégio, mas interessante e satisfatório.}

14/11 (188) Crooklyn (Spike Lee, 1994) *** {Spike Lee recorda de sua infância no Brooklyn, NY nesse filme (melhor: joint) e o resultado é uma agradável mistura de sentimentalismo, em uma visão idealizada de seu momento particular, com objetividade, na percepção de que o mundo tem lá seus problemas de qualquer ordem possível (desde econômicas [família com dívidas] até sociais [vizinhos que cheiram cola, outros que não limpam as fezes do cachorro, ou ainda, jogam lixo no quintal alheio etc]). Ou seja, há nessa descrição um evidente fundo de verdade encantador. Somos apresentados à personagens memoráveis (especialmente a matriarca exigente e sua única filha [as duas estão absolutamente incríveis]), tratados com verdadeira compaixão pelas situações ali apresentadas. Mas Lee gosta de inventar e isso é comprovado na seqüência da visita da garotinha na casa de sua prima durante as férias de verão, lá os personagens são esticados (sim, esticados) e a única coisa que se pode supor de tal estranheza é o realce das disparidades entre o mundo cosmopolita de NY, mas sem a ostentação financeira que se poderia supor; e o rural estado de Maryland, onde seus tios vivem com alto padrão de vida. Talvez seja isso mesmo, o deslocamento pessoal quando se muda rapidamente de ambiente e todas as suas referência vão para o ralo ou são adaptadas (sua tia corta o cabelo da menina de acordo com suas referências de "cabelo de menina-direita" etc). Confesso que gostei disso. Gostei mais ainda da forma como Lee introduz a dor no universo infantil, gradual, sem sobressaltos e com sensibilidade, como se esperasse que as crianças do núcleo em questão "digerissem" o fato da morte da mãe. Só não recebe uma cotação maior, porque se trata de um trabalho ligeiro, que não fica em você do jeito que um filme especial atua. Apresenta também t-o-d-o-s os clichês de filme-pet (tamanho família), como as discussões entre pai/mãe a respeito do dinheiro ausente e a própria morte da mãe, um pouquinho óbvia após algum tempo de projeção. Mesmo assim, obrigatório.}

15/11 (189) /Ladrões de Bicicleta/ [Ladri di Biciclette] (Vittorio De Sica, 1948) *** {Tem um consenso para esse filme já pré-determinado: obra-prima irretocável. Mas eu consigo ver vários pontos discutíveis em Ladrão. Primeiro o filme é extremamente repetitivo, procura aqui, acolá etc. Segundo, eu cortaria várias cenas inúteis, a procura de 10 minutos pela bicicleta numa feira (se bem que nessa cena é belíssima a percepção das desigualdades sociais, enquanto pai e filho procuram partes desmembradas da dita-cuja que garante o sustento de sua família eles observam a quantidade de correias, pneus etc, e eles precisando de uma quantidade ínfima da representada ali - belo, eu digo...) e demorada cena da acusação do rapaz, ou seja, depenava o filme todinho. Mas apresenta algumas cenas dignas de nota como na qual o protagonista, desesperado, vai se consultar com a Mamma Dinah recorrendo a um recurso que ele mesmo se posicionou contra no início do filme; ou a do restaurante, o pai concede ao seu filho uma refeição que, para seus padrões é luxuosa, mas para os da mesa-burguesa ao lado, simplória. Mas tudo isso empalidece perante o belíssimo relacionamento pai/filho. O protagonista se dirige ao pirralho só para o básico (Venha!; Estamos atrasados!; Rápido!) não permitindo uma aproximação entre ambos. Daí se constata que as duras condições de vida na Itália do pós-guerra se manifesta na personalidade enrijecida so protagonista (o rosto dele é vazio, sem perspectivas ou qualquer fagulha de esperança) e na face consternada do garoto. O ambiente claustrofóbico e sempre hostil traduz as situações do filme (e vice-versa). Fora o engajamento social, nítido no período neo-realista, o filme transparece essa caracterização quase sublime dos personagens; evidenciada ainda mais na cena final, simplesmente devastadora, na qual pai e filho se unem na tragédia e a vergonha do ato paterno se traduz em humildade e conseqüente aproximação com o menino e restauração de sua condição humana.}

15/11 (190) Beautiful People (Jasmin Dizdar, 1999) ***

16/11 (191) /A Viagem de Chihiro/ [Sen to Chihiro no Kamikakushi] (Hayao Miyazaki, 2001)* ****+ Ver comentário 185. {Talvez meu filme preferido agora, nesse momento da minha vida! É impressionante o que se descobre em um filme após quatro vezes assistido... Ah, considere-se azarado se não o conferiu em cópia legendada ou fracassado se não o viu de forma nenhuma (mas a redenção o/a aguarda: o DVD será lançado em dezembro/'03).}

17/11 (192) Jackass - o filme-que-mais-parece-um-episódio-alongado-emetiviano [Jackass - the Movie] (Jeff Tremaine, 2002) * {Close-up em pessoas defecando, vômitos constantes, testículos eletrocutados, auto-ingestão de urina (e olha que dizem que faz um bem para a saúde...), carrinhos de brinquedo introduzidos (o que não é a elegância...) no ânus (idem). Isso é só uma pequena, mas plenamente significativa, amostra do que você, incauto espectador, verá em Jegueass. Ok, estúpido, doentio... se sintam livres para jogar verbetes do Aurélio em cima das cabeças doentias do mentoras do "filme" (aka: ver no título em itálico). Eles não se levam a sério, dizendo que esse era o pior filme concebido por um estúdio nova-iorquino (isso é dito em um dos infinitos making-of's, é óbvio que eles não incluiriam isso no "filme", afinal senso de ridículo é diferente de auto-flagelação) etc, e a produção (sim, a produção é competente, só ela para armar aquelas esquetes sem pé-nem-cabeça) rende uma discussão interessante da discussão dos valores desgastados e doentios do jovem na sociedade atual. Eles podem tudo, a vida não tem fim, jogar-me-ei num esgoto ou em uma câmara com órgãos em decomposição e cuspirei aquela água (com vômito incluso) num baldinho a tiracolo. É quase um poema do mal-direcionamento da energia juvenil, a sensação de liberdade decorrente da supressão de qualquer limite ético (se bem que ético não se encaixa muito bem, algo como "o limite do bom senso"). Não há limites para o espectador também, que tem ânsia de vômito, acha algumas coisas idiotas (a maioria, diga-se de passagem, piores que a garantia João-eu-vi-na-tv-Kléber de qualidade) e se "estraga" de rir em outras seqüencias/esquetes. Não sei se o senso crítico de alguém pode se aguçar mais acentuadamente com esse engodo ou com um Andrei Rublev da vida. Mas de uma coisa eu sei, enquanto via um jacaré morder os mamilos de um dos patetas e não parava de me perguntar: "Quando se concretizará a "eterna missão jovem?". Se depender dos profissionais que fazem estripulias (às quais a capinha do DVD comenta: Atenção, nem você nem um de seus amigos idiotas tentem o que é apresentado aqui; profissionalmente falando é claro...), essa "missão" me parece cada vez mais vaga. Enfim, alugue e ria um pouquinho (é, desligue o "sensor-crítico-purista" e você vai gargalhar com-ou-de alguma coisa, certamente) com tanta merda.}

17/11 (193) Banhos [Xizao] (Yang Zhang, 1999) *** {Atenção, cheio de spoilers... Adorável esse pequeno filme. O roteiro segue por caminhos previsíveis (self made man à la chinesa reencontra suas origens e a família redescobrindo os... [você já consegue terminar, né?]) e a história não é um grande arroubo de criatividade (se bem que a cena inicial que mostra como seria ["ia"? Em se tratando de China eu não duvido nada que já exista...] uma casa de banho no futuro é uma graça), mas compensa tudo isso com um coração do tamanho da densidade demográfica chinesa. O melhor mesmo é a metáfora da casa de banho como um local quase místico (me lembrou até de A Viagem de Chihiro) onde ocorre: a purificação do corpo e a da alma (a peregrinação da avó e sua neta em busca de um lago sagrado no Tibete; a jovem e seu banho pré-casamento), a recuperação dos laços perdidos (o primeiro banho da família protagonista, que reata suas relações estremecidas), a solução para os problemas conjugais (primeiro o marido "discute a relação" com o anfitrião e depois se reencontra com sua esposa e "fazem as pazes"), a transcendência da alma (é lá que o pai-de-família morre), a superação pessoal (competições de "quem-fica-debaixo-d'água-por-mais-tempo-sem-morrer-afogado"; o rapaz, fã da canção "Ó Sole Mio" mas com vergonha de cantá-la em público que é encorajado pela... água [H20 nele!]). Mais que isso, a destruição do ambiente e a mudança de vários integrantes do clã para edifícios altos nos quais seus grilos de estimação morrerão, revela uma consciência política de que a globalização é inevitável, mas enquanto o homem for um ser que se completa na presença de semelhantes ele pode restringir esse movimento à um âmbito meramente político/comercial, estabelecendo de volta uma relação harmoniosa com seu grupo sem interferências externas. Tudo isso é resumido (brilhantemente) em um diálogo dentro de um documentário (no estilo Discovery) sobre besouros, que um dos irmãos assiste: "Só o tempo dirá se o fruto do sacrifício da mãe (nota: do besouro) sobreviverá aos caprichos da natureza", leia-se: tradição X globalização. Só o tempo dirá ("á"? Acho que já disse).}

19/11 (194) /Gosto de Cereja/ [Ta'm e guilass] (Abbas Kiarostami, 1997) ****

20/11 (195) O Bandido da Luz Vermelha (Rogério Sganzerla, 1969) * {Eles: "Clássico do Cinema Marginal, esta obra pode ser considerada como ponto de transição entre a estética do Cinema Novo e a ruptura marginal. Realizado na Boca do Lixo, este filme ainda conserva traços da produção cinema-novista que gira em torno da representação alegórica do Brasil e de sua história. Porém, a forte presença do universo urbano, da sociedade de consumo e do lixo industrial gerado por essa sociedade, marca uma nítida diferença. O abandono da ética do Cinema Novo e o aproveitamento, a partir daí, do cafona, acentuando a degradação dos personagens, vão igualmente nesta direção. Na representação do Brasil, o universo do político é explorado para aumentar o grotesco distante de uma visão global do social. "O Bandido da Luz Vemelha" é inteiramente elaborado, inclusive em sua forma narrativa, a partir dos restos da produção industrial da cultura de massas. A ausência de formas narrativas populares, como motivo para a fragmentação da linguagem, permite a adequação da narrativa da obra ao universo do lixo urbano da sociedade de consumo. O Brasil que emerge dos fragmentos desse filme já é um país completamente distinto daquele que surge nas alegorias cinema-novistas." ou "Anunciado como um faroeste de terceiro mundo, o filme retrata de forma um tanto que documental, a verdadeira história de uma figura da sociedade brasileira, o marginal da luz vermelha. Em um momento de quebra com o vigente, de renovação de linguagem e de caminhada em direção a uma alternativa possível, o marginal tenta se manter alheio a correção ética e estética. Os diretores incorporam a vontade de se manter marginais. A marginalidade deste bandido e de sua luz vermelha parecem seguir os mesmo caminhos de nosso cinema marginal. O hoje famoso bandido, aterrorizava São Paulo, assaltando casas e confundindo a polícia. Com muita ousadia e poesia, em cenas magistralmente editadas por Sylvio Renoldi, Sganzerla nos traz um filme sanguinário e revolucionário. O filme marca a transição entre o Cinema Novo, estrangulado pela censura, e a ousadia mal-criada e ainda pertinente, de diretores como Sganzerla, Carlos Reichenbach, Ozualdo Candeias e José Mojica Marins. O desejo de mostrar a violência, estética e tematicamente, de nossos cineastas paulistas, da difamada boca do lixo, encontra em O Bandido da Luz Vermelha seu maior defensor. O ciclo de violência que marcaria o período começava a ganhar admiradores em todo o mundo.". Eu: "?". Minhas expectativas estavam altas. Começa o filme. Montagem moderninha, acelerada, cheia de truques. Interessante estudo de um personagem deliciosamente amoral (complexo de rejeição, tipo passivo e caricato, quer ser "alguém na vida"; clichês manipulados brilhantemente), o que é reforçado pela narração constrangedoramente conservadora (e brega: a mulher interlocutora fala "Bandido"; o homem: "...da Luz Vermelha" etc). Ora essa narração em forma de crônica policial coloca o tal bandido num pedestal (esquema Robin-Hood) ora num terreiro (diabo, sangue-ruim; bem cinema marginal...) o que é interessante no contexto da publicidade que seu caso angaria, muito menor que a do escândalo da lavagem de dinheiro e contrabando de uísque J&B de um político populista e corrupto (poderia ser diferente? Populismo e corrupção andam de mãos dadas desde 1500 A.C.). Pois é, né? Eu confesso, fiquei zonzo na segunda metade do filme (a sonoplastia de péssima qualidade da cópia apresentada pelo Canal Brasil ajudou, verdade seja dita). Um verdadeiro samba do crioulo doido (que nos dois apontamentos acima parece ser seu melhor trunfo) instaurado na apresentação de uma prostituta traiçoeira (outro clichê, se bem que temos Darlene Glória em Toda Nudez Será Castigada...) e desse político caricato. Se é proposital essa mistura de gêneros e tipos fáceis num estilo caótico eu não sei. Só sei que quando eu vejo um filme espero que o nível de abstração planejado pelos realizadores se encaixem ou pelo menos que sejam compreensíveis para mim, médio-espectador. Aqui não são. Eu mencionei a presença de ET's no final apocalíptico? Vá de retro!}

22/11 (196) E Aí, Meu Irmão, Cadê Você? [O Brother, Where Art Thou?] (Joel Coen, 2000) * {Uma grande besteira ("I'm awful pleased my adventuring days have come to an end" / "Estou contente com o término dos meus dias de aventura", diz um dos protagonistas no final. Eu também!), com um verniz agradável, mas verniz não cola! Alguns flashes de inspiração ocasionais (especialmente Clooney e suas palavras difíceis nos momentos de aperto, o cuidado com o cabelo etc) mas que se esgotam depois de usadas com frequência dilacerante. Algumas menções sobre a Grande Depressão com a população do Mississipi se agarrando a qualquer tipo de redenção, incluindo políticos picaretas e Ku Klux Klan's da vida, mas tudo mal estruturado. De bom só a seleção musical (cortesia do grupo mais esfarrapado dos anos 30: Soggy Bottom Boys) e o elenco com sotaque divertidíssimo. Ah, é uma adaptação de A Odisséia... o que não garante nenhuma inteligência de antemão, devo avisar.}

23/11 (197) A Mulher de Areia [Suna no Onna] (Hiroshi Teshigahara, 1964)* *** {A metáfora óbvia da areia como o passar do tempo (naqueles filmes de aventura dos idos anos 80, uma ampulheta era o que conferia tensão às cenas) se aplica aqui em uma curiosa relação antitética. Em A Mulher de Areia o espaço temporal dos acontecimentos é delineado de forma a destituir o próprio filme de fluidez, garantindo ao mesmo uma letargia que caracteriza fielmente o protagonista. Ele está livre de suas obrigações contratuais e longe das luzes de Tóquio, o que o faz perder todas as suas referências do que sejam sua vida e sua suposta liberdade. Mas ao se envolver em um vilarejo e como uma habitante do local ele descobre que que relativa era essa liberdade "pré-cativeiro" e que agora de alguma forma ele se sente mais livre que antes, mesmo prisioneiro. O filme trabalha com essa dialética muito bem e parece nos dizer que liberdade não é apenas autonomia de ir-e-vir mas sim, a decisão sobre seu próprio destino, ter opções, escolhas. Mas até que o homem descubra que "é (e não era) feliz e não sabia" a intimidade dele com a "seqüestradora" (esses termos estão em aspas porque isso é suavizado no filme, não há essa intenção tão clara por parte dos integrantes) é negligenciada no filme. Pareceu-me que eu nunca fiquei sabendo quem aquela mulher realmente era, excetuando-se flashes de seu passado em algumas observações sobre o medo de mudar de ambiente (vilarejo-cidade) o que constitui em uma das falhas do filme já que seu erotismo explícito precisa de uma vertente para fazer-se valer. A Mulher de Areia apresenta uma visão estética meticulosa, com areia se misturando às curvas humanas nas cenas "sexuadas" (que são no mínimo deslumbrantes e inesquecíveis - não estou exagerando) e cenários que acentuam o clima claustrofóbico e opressivo da situação (mesmo eu não interagindo totalmente com o que nos é apresentado devido - novamente - a essa distância entre os dois). Mas, para outros críticos a organicidade do filme é realçada com os entraves na comunicação da dupla, porque nesse caso, os gestos são mais valorizados que as palavras. Então, assista e formule sua opinião. Apesar de 20 minutos mais longo que devia, A Mulher de Areia é muito mais que uma mera versão nipônica para a Síndrome de Estocolmo.}

26/11 (198) /Um Dia no Campo/ [Une Partie de Campagne] (Jean Renoir, 1936) **** {Um Dia no Campo é um filme não-concluído da autoria de Jean Renoir, segundo a introdução "por motivos de força maior". Parece que o filme já começa no que seria a metade da metragem de um longa, já que somos apresentados à uma introdução explicativa da história que virá. É uma pérola naturalista (e eu não escrevo isso porque se passa no campo, mas sim porque se expressa com naturalidade, sem exageros), com excelente ambientação romântica associada a uma malandragem burlesca de dois jovens que tentam seduzir mãe e filha no campo. A inclusão desse elemento se contrapõe com a atmosfera completamente idealizada na qual o filme se realiza. Renoir conduz tudo com fluidez e acrescenta uma trilha sonora belíssima aos acontecimentos. Acho que não há elogio maior que um pequeno filme conseguir emocionar (o final é belíssimo, embora plenamente óbvio) e me fazer compreender os anseios daqueles personagens (especialmente a garota, que aproveita tudo o que o ar livre pode lhe oferecer antes que um casamento indesejado a "sufoque") tão bem desenvolvidos em apenas 40 minutos de duração.}

28/11 (199) Era Uma Vez em Tóquio [Tokyo monogatari] (Yasujiro Ozu, 1953)* ****

29/11 (200) Filho Único [Hitori musuko] (Yasujiro Ozu, 1936)* ***

29/11 (201) A Rotina Tem Seu Encanto [Sanma no aji] (Yasujiro Ozu, 1962)* ****

30/11 (202) Pai e Filha [Banshun] (Yasujiro Ozu, 1949)* ****

30/11 (203) Fim de Verão [Kohayagawa-ke no aki] (Yasujiro Ozu, 1961)* *

02/12 (204) A Cruz dos Anos [Make Way for Tomorrow] (Leo McCarey, 1937) ****+

03/12 (205) Scanners (David Cronenberg, 1981)* ***

03/12 (206) Extermínio [28 Days Later...] (Danny Boyle, 2002)* ***

04/12 (207) /A Cruz dos Anos/ [Make Way for Tomorrow] (Leo McCarey, 1937) ****+

05/12 (208) Bang Bang (Andrea Tonacci, 1970) *

06/12 (209) Contos da Lua Vaga [Ugetsu monogatari] (Kenji Mizoguchi, 1953) ****+ {Basicamente um poema sobre a desilusão, inerente à condição humana e aos instintos gananciosos e ambiciosos do enriquecimento, hedonismo e ascensão social (Mizoguchi usa uma casa de prostituição, a hierarquizada estrutura militar feudal, e o envolvimento com princesas ricas para tal). Com duas histórias em desenvolvimentos paralelos, o diretor (que freqüentemente retrata a generosidade e compreensão das mulheres em contraste com o egoísmo e limitação dos homens, segundo Dave Kher) parece extrair da dualidade humana, uma ilustração alegórica da vida em comunidade, do pertencer ao mundo e saber até onde você pode chegar se auto-reconhecendo como um ser conectado a outros seres do ambiente e considerando, assim, tudo o que isso implica como entrave na realização do que anseia. O conflito espiritual nada mais representa que a divisão na alma de todo ser (no filme, entre a concepção hedonista nebulosa [porque não existe domínio completo sobre a tal, já que ela foi apenas desejada, nunca consumada] e o esforço do trabalho honesto ao lado da família), a angústia do querer e poder nem sempre no mesmo plano de concretização (especialmente vislumbrado na seqüência final, em que observamos que escolhas erradas levaram a uma realidade distanciada de sua essência anterior (leia-se: vida pacata de vilarejo com filho e esposa). Destaca-se o uso pelo diretor japonês da luz em sombras, névoa, escuridão (especialmente no palácio da princesa [onde há uma alternância entre luz/penumbra na face dos dois personagens, mostrando o conflito metafísico que se estabelece entre ambos] e na cena da embarcação fantasma) é mágico e inteiramente representativo quanto aos estados de alma de quem o filme retrata. Contos da Lua Vaga é um filme especial porque sua atmosfera mística adiciona uma grandeza quase épica à histórias aparentemente insignificantes mas que encerram em si toda a filosofia do carpe diem desvirtuada pelo homem e seu poder de decisão em um espaço ao qual, ironicamente, não será capaz de domar em um futuro próximo. Sublime.}

10/12 (210) A Inglesa e o Duque [L' Anglaise et le duc] (Eric Rohmer, 2001)* *

10/12 (211) A Festa Nunca Termina [24 Hour Party People] (Michael Winterbottom, 2002)* *

14/12 (212) Segunda-feira ao Sol [Los lunes al sol] (Fernando León de Aranoa, 2002)* *** {A sensibilidade de León de Aranoa é tão crível que Segunda-feira ao Sol parece ter sido dirigido por Mike Leigh ou principalmente pelo cineasta-operário-panfletário Ken Loach (basta olhar a bela tagline do filme: "Esse filme não é baseado em uma história real. É baseado em milhares"). Temos o sempre maravilhoso Javier Bardem e grande elenco, elementos sociais (desemprego e conseqüente problemas familiares derivados da [não] aceitação familiar ao acontecido o que leva à auto-rejeição, impotência, orgulho ferido) que negam/reafirmam/colocam em xeque a figura masculina como essencial no suprimento de dividendos para o lar, cenas que nos fazem rir e chorar quase instantaneamente (algumas favoritas: a cantada suíça; a metáfora da luz como forma de mecanização de um ato [apagá-la] que o homem fazia automaticamente anteriormente, o que os lembra do motivo da demissão; Bardem & Cia cuidando da criança; a reação de Bardem após pagar a multa; o apartamento abandonado de um deles; a tinta para o cabelo; a esposa de um deles desistindo de sair de casa; a formiga filha da puta; as conversas revestidas com humanismo e álcool no bar etc), mensagem esperançosa... Só poderia diminuir o número (não muito expressivo) de situações-clichê, mas já é pedir demais de um filme que oferece tanto.}

14/12 (213) Amarelo Manga (Cláudio Assis, 2002)* 0 {Amarelo-de-tão-doentio-Manga e o cinema falsamente vigoroso. Depois de uma sessão razoavelmente cheia no cinema universitário da UFF eu percebi que Amarelo Manga é o pior filme de muitos anos mas, paradoxalmente, pode render discussões proveitosas. Comecemos pelo vocábulo vigor: alguns filmes recentes nacionais receberam essa conotação dentre eles Madame Satã e Manga. Madame estava disposto a nos apresentar um protagonista homossexual, favelado, analfabeto, pobre, violento; ou seja, um perfeito arquétipo da caricatura cinematográfica; mas também parecia nos dizer que a visão que os outros tinham de Madame era preconceituosa e essas qualificações (melhor, depreciações) se constituem na "visão de fora", de pessoas que não faziam parte da esfera social do protagonista e portanto o analisavam com olhos essencialmente clínicos. O que Ainouz queria que fizéssemos era uma tarefa delicada: reverter os conceitos simplistas/simplórios e consequentemente atribuí-lo feições humanas, dimensão moral de ser. Se ele sucedeu na sua proposta eu não sei, mas eu, particularmente, tenho alguns problemas com o desenvolvimento do filme, em particular a ausência de análise psicológica, quando ela poderia servir de apoio para nossa construção da verdadeira Madame, desvirtuando o que o diretor nos vinha apresentando até então. De qualquer devo revê-lo. Mas Amarelo Manga utiliza sua proposta "revigorante" embasada por elementos fílmicos ridículos. O diretor Assis não se contenta em expor sua gama de personagens como também insiste no uso do choque no âmbito meramente físico, de forma que, o resultado das aberrações apresentadas sejam recebidos com gargalhadas involuntárias de quem o assiste (a platéia sempre inteligente da UFF estava particularmente bem-humorada ou então, bem...) e não como forma de enxergarmos aqueles personagens na intimidade e percebermos que cada um pulsa a seu modo na Recife dos "guetos", que merecem uma dignidade/respeito relativo do espectador que eles não conseguiram conquistar no ambiente que os rodeia. Assis desvirtuou completamente o vocábulo vigor e o fragmentou em várias seqüências que prezam pelo estranho, quando não para as escatalogia: vaginas depiladas ou "inalantes" (vejam! vejam!), necrofilia, orelhas arrancadas, bois morrendo in cold blood, facas de utilização masturbatória (extra! extra!), isso descontando-se devidamente o intenso uso de porras's, caralhos's, filhos da puta's, merda's entre outros. Para Assis, é pão e circo, sua trupe é encarada como palhaços e o espectador se sente como um pagante em um espetáculo terrível e mal-articulado. Talvez o intento de Assis seria que essas sensações que Manga nos passa funcionassem como "espelho do mundo-cão" e esses atos simbolizariam uma espécie de "liberadores de tensão" dos personagens com objetivo de evasão de seus cotidianos nada convidativos; mas o que ele consegue é só o "choque pelo choque", sem propensões catárticas ou nada do gênero. Cinema vigoroso que é bom nos apresenta a exposição dos conflitos, estranhos para quem o assiste (e não os vivencia por extensão) e a assimilação dos mesmos por nós ao contrário da repulsa/falta-de-entendimento inicial. Manga só consegue ser repulsivo. No início, meio e fim. Sr. Aurélio deve estar se revirando na cova em profundo pesar.}

21/12 (214) /Amarcord/ (Federico Fellini, 1974)* *** {Amarcord se encaixa mais como uma profusão de momentos, sentimentos, declarações diversas de amor à infância, num tom idealizado, mas participativo. A primeira hora de filme é maravilhosa, o espetacular tema musical de Nino Rota acompanha as idas-e-vindas de personagens construídos com fortes traços caricatuais (melhor seria: exagerados, uma palavra que se encaixa em várias situações dos filmes de Fellini) mas nem por isso destituídos de humanidade (exemplos: a atendente da tabacaria "chupa e não sopra" vai ao casamento final e faz um brinde aos noivos e recebe um beijo do provável marido, o que indica que ela faz parte da comunidade, tem cônjuge e não fica por aí se ''engraçando'' com adolescentes ocasionalmente; o patriarca com crises de stress se pergunta como as estrelas conseguem se prender no céu, adquirindo assim uma certa dimensão humana que era muito reduzida anteriormente a um estereótipo engraçadinho de homem-irritadiço) ou delicadeza (Il Duce, o Xeque e suas 30 mulheres, a prostituta fogosa - todos são pintados com um misto de fascínio e admiração pois não há perfeita compreensão, e nesses espaços há "permissão" para a fantasia, a criação ilimitada de Fellini e prosseguimento da abstração já ensejada na proposta de memória afetiva do filme). Amarcord, por ser, um documento baseado em recordações não prima pelo encadeamento lógico das diversas seqüências do filme e portanto sofre do mal "episoidismo". Especialmente na segunda hora, o ritmo decai devido a alternância de grandes (a já citada cena da tabacaria; luzes do Titanic italiano; morte da matriarca; tio-árvore-mulher; o casamento com a volta dos flocos de neve [que dão uma idéia cíclica ao filme {que começa com os flocos de neve, mas de transição inversa das estações de ano} - próprio do ambiente da memória, com a inconstância e freqüência do tempo como indicador do passado e de sua absorção, igualmente inconstante, na vida atual) e não-tão-grandes (o nevoeiro verde; os momentos passados no hotel; Gradisca e a falta de homens-que-não-são-porcos; a repressão na ditadura de Mussolini) momentos em uma postura mais intimista (ou melodramática, se preferir) com uma faceta mais terna que a usada na primeira parte, mas preservando a essência carnavalesca, a "caricatura emotiva" no desenho dos personagens (afinal, nessas cenas eles se revelam como pessoas que aspiram, fracassam, tentam dar sentido à existência...). É um belo filme, realmente; as lembranças de Fellini se incorporam em nossa imaginação e a partir delas desenhamos nossas próprias experiências relacionando-as com o que estamos vendo e por conseqüência revivendo-as. E convenhamos, um filme que consegue misturar o imaginário criativo de quem o concebeu com o de quem o assiste, não é pouca coisa.}

22/12 (215) /Amarcord/ (Federico Fellini, 1974)* ***

22/12 (216) Samsara (Nalin Pan, 2001)* 0 {Nunca a sublimação sexual gerou um filme tão lento e inexpressivo. Começa com alguns ensinamentos (chatíssimos para quem não entende do misticismo todo, devo avisar) em um templo budista, logo após temos a dualidade entre o carnal/espiritual expressa na vida mundana (algo que Mizoguchi trabalhou lindamente em Contos da Lua Vaga) e as "grandes decisões" com personagens "pagando o preço" pelas suas atitudes impulsivas e impensadas entre outras *complexidades* (mas eu não dei a mínima, o único dilema que me afetou espiritualmente foi: sair do cinema e passear no calçadão da praia ou tentar dormir na cadeira desconfortável do cinema UFF). Samsara só decola quando apela para o comum, banal: plantações queimadas (sabotagem? intrigas comerciais?), "que-caminho-escolho-agora-ó-céus-ó-vida?", traição etc; e não para o que interessa numa produção desse tipo, que seria uma espécie de compêndido do que se planeja alcançar com o "treinamento religioso" e do já conquistado na vida prosaica ao lado da recém-constituída família (e eu acredito que o filme mostra isso mas aparentemente disposição e força de vontade se fazem necessários para total compreensão, amém) . Francamente, mais parece uma galeria de arte que um filme, belíssimo de ver mas não me espere assitindo-o novamente a não ser que me dêem dois ingressos: um para mim, outro para o cara armado aqui do meu lado (retirado de Friends, sabia que a trupe seria útil um dia).}

23/12 (217) O Amor É Cego [Shallow Hal] (Peter e Bobby Farrely, 2001) ** {O filme apresenta uma moral ingênua e limitada: os feios/obesos/não-muito-bonitos são pessoas genuinamente boas, atuam em entidades para ajuda humanitária; já os belos/magros/esteticamente-estimulantes são egoístas/insensíveis com o sofrimento alheio (leia-se: dos feios/obesos/não-muito-bonitos). Limitada pelo simples fato de não ser universal, abrangente, se restringindo unicamente para os personagens e situações do filme. É até interessante essa divisão dos papéis sociais aos personagens de O Amor É Cego, como se isso fosse endossar essa teoria unilateral: temos um (feio) chefe de uma corporação do mais agradável (oferecem, inclusive, oportunidade para que seus funcionários expressem suas idéias em uma reunião do corpo de empresários) e outros seres absolutamente perfeitos (não tinha uma auréola em cima de alguns deles?) que concedem assistência à crianças queimadas e desabrigados de outras nacionalidades sem nada em troca; enquanto (belas) mulheres manipulam os sentimentos do protagonista, como sua vizinha (esse assunto de vizinhas gostosas já não deu o que tinha que dar?) e assim o a coisa vai... Mas, verdade seja dita, é um doce esse filme, com uma sensibilidade apurada e química borbulhante entre Platrow/Black. Em algumas cenas até, meus olhos ficaram marejados (a declaração de amor final, em que Black aceita Paltrow pelo que ela é e não tenta remediar sua obesidade com o "olho mágico" do guru; a belíssima seqüência do restaurante na qual quando ela sai do banheiro e se depara com ele, diz um "oi" seco pois acabara de testemunhar o clima entre ele e a vizinha, porém, ele não responde já que não a conhecia daquela forma - ela, então, sai arrasada). Realmente, não é muito engraçado e quando o é, evita qualquer cena à la esperma-gel no cabelo (exceto o rabo do melhor amigo de Black; esse recurso é claramente usado para mostrar que até os mais presunçosos tem defeitos, no caso incorreções genéticas. Isso também explica o medo de relacionamentos profundos do personagem, não deixa de ser uma aplicação simplista da cartilha "psicologia do macho da pós-modernidade", mas a tentativa não fracassa inteiramente [aliás, o recurso aparece na meia-hora inicial com o protagonista pulando de galho-bem-conservado para galho-enxuto-siliconado]) mas compensa isso com essa suavidade tão inesperada quanto delicada, devido ao currículo dos irmãos diretores.}

23/12 (218) /Garotos Incríveis/ [Wonder Boys] (Curtis Hanson, 2000) *** {É a crise de meia-idade (francamente, Michael Douglas como o protagonista em crise com Zeta-Jones em casa esperando com o jantar, não é o que eu chamaria de verossímil...) rendendo e rendendo... Mas enquanto a fórmula de insatisfação pessoal, falta de lucidez psicológica, questionamentos amorosos, vulnerabilidade, vícios X virtudes na balança etc, for usada com sabedoria e inteligência como aqui, eu não me incomodarei nem um pouco. Parece um filme-de-elenco, escrito para cada ator (exemplo recente: Encontros & Desencontros) e impreterivelmente a participação dos mesmos foi fundamental para a filmagem ou algo assim. Quando se percebe que um filme foi desenhado para cada ator em particular, deve-se notar que há um cuidado de observação da vida desregrada, hipócrita e "viciosa(ada)" do protagonista e como a tentativa de colocá-la nos eixos envolve quem está por perto. É engraçado, algo insólito e tem uma narração em-off divertidíssima. Sábio, talvez o melhor do filme seja rir das situações que cria nos momentos finais, como se estivesse dizendo let it be e a partir daí, reconstruir a vida de seus personagens com a capacidade de não se importar com a aparente seriedade de problemas como: cachorro morto, livro com uma única cópia perdido, casaco de Monroe, aluna depressiva, amante & o marido-chefe dela, alunas com postura de admiração-além-da-conta pelo professor. Relaxa e goza!}

25/12 (219) O Massacre da Serra Elétrica [The Texas Chainsaw Massacre] (Tobe Hooper, 1974) *** {Esse clássico do terror, um exercício pouco sangüinolento de tensão vigoroso e assustador, mantém o pique diante de qualquer filme com a mesma proposta (hoje, proposta soa inocente, visto o uso indiscriminado de situações-clichê nessas produções; melhor substituir por cartilha). O diretor Hooper tem total controle sobre seu material verídico e acentua seu impacto com um clima fúnebre fruto do relacionamento sempre distante entre os cinco jovens envolvidos (na meia hora inicial, que geralmente é usada para desenvolver [ou pelo menos uma tentativa, em boa parte dos casos] os personagens, Serra Elétrica incorpora na conversa do grupo assuntos pouco íntimos como signos de zodíaco e quem-quer-dar-carona-para-esse-cara-estranho-da-estrada, nos poupando de diálogos eu-sei-o-que-vocês-fizeram-no-verão-passadianos). O mais interessante é que esse distanciamento deixa-os ainda mais vulneráveis a qualquer perigo externo, já que não há aquela idéia de "vamos permanecer juntos", cada pessoas tem interesses particulares etc. Além da frieza narrativa, o filme apresenta um subtexto muito interessante: a família canibal não é tratada como meros psicopatas sedentos por sangue de jovens virgens-e-com-tudo-pela-frente (que seria algo como: "Ah, não! A coxa é minha!" ou "Vamos colocar ordem no pardieiro, ou melhor, no matadouro, quem mata a garota sou eu!"), mas, na verdade, a instituição familiar é quase reverenciada pelo filme sob forma da estrutura patriarcal, o avô tem preferência para se "servir" da vítima e por em prática seus atos homicidas, reverenciados pelos seus netos devido à crueldade aplicada; além disso ele se senta no centro da mesa, o que mostra respeito á hierarquia. Vocês já devem ter interrompido a leitura mas isso é importante num filme desses, essa dimensão mais humana que geralmente é renegada para os tais. Essa família funciona como quase uma metáfora (bem rude, eu sei) da sede (fome?) consumista humana que se volta para o próprio ser que a cria, ou seja, um “modismo” que deu errado, criador X criatura, (esse "consumismo às avessas" foi adaptado de um artigo de Jeremy Heilman sobre o recente remake do filme). Você ainda está aí? Você provavelmente vai querer saber do óbvio: o filme assusta? Sim, meus nervos estão em frangalhos. A última meia-hora é magnífica, com rituais satânicos, gritos incessantes (será que aquela atriz perdeu a voz?), serra elétrica, correrias, falsas ilusões de segurança (leia-se: a garota encontra uma pessoa que, supostamente, irá protegê-la mas acaba se tornando mais um algoz), ou seja, o manual completo dos direitos & deveres de um filme do gênero. Outras duas cenas maravilhosamente bem construídas: a garota e seu irmão deficiente físico ficam isolados na escuridão, na relva deserta, sem a chave do carro e com uma lanterna de pouco alcance (oh!) e a morte da primeira menina que vai procurar o namorado (porque sempre o cônjuge morre tentando encontrar o parceiro já obviamente morto? Porquê? Será que depois de filmes e mais filmes assim as mocinhas de celulóide não levaram isso em conta. Taí, roteiristas do próximo exemplar de Todo Mundo em Pânico, tomem nota!) e acaba entrando na casa, mais especificamente, no quarto onde são despejados dentes, ossos e cabelos das vitimas, e lá ela fica, exasperada e imóvel; a cada segundo que passa, maiores as chances de...oh! Aí está um filme eficiente, inteligente e dinâmico na observação da vida em comunidade, assim como o listado abaixo.}

26/12 (220) Sobre Meninos e Lobos [Mystic River] (Clint Eastwood, 2003)* **** {Preciso revê-lo antes de montar uma crítica mas enquanto isso, se for do seu interesse, eu postei minha opinião sobre o filme aqui (o usuário é Guilherme Alves). Eu sei que estão desorganizados e repetitivos, além do mais incompletos, já que o filme de Eastwood implora/chora/esmurra por uma revisão.}

28/12 (221) O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei [The Lord of the Rings: The Return of the King] (Peter Jackson, 2003)* ** {Dois pontos positivos: a relação Frodo/Gollum é memorável pelo sentimento de mútuo entendimento do fardo que o Anel ocasiona a cada um, logo, cada reação imprevisível nos mostra o poder da ganância se sobrepondo a personalidade que a rejeita e não um descontrole meramente emocional dos envolvidos; o amor pelos personagens e a dificuldade em deixá-los (os famosos finais falsos, positivos para mim pois ilustram/verbalizam cada sentimento/emoção a partir do momento de cada conseqüência [sucesso na empreitada, coroação de Aragorn, partida de Frodo/Bilbo/Gandalf] da jornada; é como se Jackson estivesse abrindo janelas "conseqüenciais", do encadeamento de ação/reação, fechando-a por fim quando achar necessário [com a simbólica imagem de uma porta se fechando – "fecha uma, abre outra"]). Mas também está longe da perfeição: o "chute" de Aragorn em Eowyn no maior estilo cafajeste-das-Terras-Médias (algo como: "Você confundiu as coisas", "Você não me ama, mas sim a minha imagem"), com uma só frase ele dispensa a moça (que é dona do diálogo mais fora-de-contexto do ano "Eu não sou um homem") e pronto, o conflito entre eles se apequena (se do outro lado da tela isso fosse fácil), fica insignificante diante da batalha final; a superação dos desafios ligados à (falta de) força física de Merry & Pippin ("Sim, eu posso", "Não, hobbits não vão à guerra", "Mas, e meus amigos?" etc.); as cenas reflexivas são relegadas ao segundo plano perante a batalha de Tirith (se bem que se pode argumentar que essa batalha concentra toda a dramaticidade do que o filme propõe – a união faz a força, mas de uma maneira não tão simplista assim) e quando elas são privilegiadas, bem, era melhor voltar às cabeças decepadas ou algo assim. Isso porque o filme tem muitos pontos sem nó definitivo e os pingos nos i’s são ligeiros para dar conta de toda a ambição (inclusive uma que se resolve fácil demais: o herói shaneano e a relutância no compromisso, digamos, sócio-político) gerada pelas duas partes anteriores. Fazendo uma analogia grosseira: é como no restaurante de comida-a-quilo, você come muito em quantidade e variedade, mas no final, tem-se a sensação de que não comeu nada em especial. Em outras palavras: os momentos de introspecção aparentam estar lá somente para a recuperação do fôlego da platéia e não para nos deixar sem fôlego, são momentos que complementam (eu me pergunto: o quê?) mas não são primordiais, ou melhor, não são tratados com a prioridade devida. Não há desenvolvimento pleno, ou melhor, conclusão das idéias sobre motivações para a jornada entre outras. Outro ponto negativo é a rapidez de tudo (especialmente a cena de Aragorn & Cia nas montanhas pedindo ajuda: "Ajude-nos e recupere a honra perdida", "Ok!") e os irritantes cortes bruscos que tentam dar um jeitinho carioca em tudo. Mas essas falhas reafirmam a capacidade de encantar e deleitar que o(s) filme(s) tem(têm), um épico assim parece mais humano, se aproxima dos anseios e medos dos personagens e os complementa com a sensação de que nada é perfeito (ok, Billy Wilder é) então, contanto que o melhor de cada um seja alcançado, não haverá problemas. Para o filme e espectadores (ou, bem, quase).}

29/12 (222) As Invasões Bárbaras [Les Invasions Barbares] (Denys Arcand, 2003)* *** {A continuação do filme O Declínio do Império Americano (de ’86) se realiza em duas vertentes: uma crônica da efemeridade da vida e um rito de passagem permeado por dramas familiares. O melhor de Invasões se concentra no aspecto de queda de uma geração (mostrada como patética/imperfeita no igualmente patético/imperfeito Império) a partir da morte da morte do exemplar mais fiel do grupo de amigos. Cada personagem parece ter passado por um processo de amadurecimento de lá a aqui (16 anos de passaram) e essa é a maior qualidade do filme. É fácil perceber que eles já não são os mesmos: os "ismos" que demarcam identidade pessoal falsamente revolucionária (na verdade são moralistas ao extremo, como se fossem uma tentativa [falha] de compreender as transformações do mundo e de suas vidas, dando sentido para as mesmas, trocando como quem troca de roupa de ideologias/idéias/teorias [ex.: maoísmo, leninismo, marxismo que simbolizam mais ou menos a mesma coisa]) são abandonados e a visão do porquê da desilusão com o mundo é mostrada com desencanto e amargor; parte deles se refugia no comprometimento amoroso com um parceiro e querem apenas "relaxar" ao lado da família, porto-seguro diante das incertezas (ou melhor da transitoriedade) da vida. Se nesse campo, Arcand coloca os pingos nos i’s de maneira mais consciente, afinal não faria sentido uma abordagem infantil, quase histérica (caso de Império) no caso. Já no campo dos relacionamentos familiares o filme cambaleia um tanto. O filho do moribundo, que poderia render algo interessante, contrastando a seriedade de sua visão de fidelidade/trabalho com a ótica libertina do pai, se resume a "Filho, você tem computador! Você se rendeu ao sistema!", "Isso não vigorava no meu tempo" e algumas poucas intromissões na igualmente pouco intrusiva relação pai/filho (com o velhíssimo clichê: "Em que você trabalha, nunca me disse" / "Você nunca estava disposto a escutar" e tome xarope). Outro pequeno defeito (digo pequeno porque me simpatizei muito com a produção e os alto de qualidade em relação ao anterior) é a filha de uma das integrantes do grupo (a relação mãe/filha é mal desenvolvida, uma tentativa de contraponto forçado à principal), drogada e estereotipada com uma visão de mundo muito mais "sadia" e "atual", despejando em cima do cara-que-vai-morrer-no-final-do-filme umas lições de sabedoria diretamente do livro O Sucesso É Ser Feliz; ah, ela também sofre, teima, lima, sua – típico. Mas é tão vibrante esse Invasões. Bem, não o que normalmente podemos chamar de "vibrante", é mais no sentido do conformismo do que os aguarda, mas sem passividade nem alienação. São personagens extremamente vivos, participantes, que deixam sua marca no mundo, mesmo sem as ver em uma estátua ou emenda constitucional; eles conseguem enxergá-la em cada gesto de amizade, comunhão, sorriso, abraço freira e também nas pernas de uma personagem de filme da época expostas ao mar. Enfim, a boa e velha nostalgia.}

***

Quadro de cotações:

Oh... [recomendados]
****+ ~ obra-prima, orgasmo cinematográfico
**** ~ excelente, excepcional, "quase-obra-prima"
*** ~ muito bom, ótimo
** ~ bom, vale a pena

Humf... [em cima do muro]
* ~ irregular, mas tolerável dentro de certos padrões, tem lá seus méritos (leia-se: uma faceta redentora)

Ugh... [só para inimigos e afins]
0 ~ desagradável; Faça. Isso. Parar.; Eject!, Eject!, Eject!; Ah, meu Deus! (queimem os negativos no fogo do inferno!)

2004-03-17T21:27:00.000-08:00

A Viúva Alegre (The Merry Widow, Ernst Lubitsch, 1934)

Tão gracioso, elegante, encantador... Tudo o que se espera de Ernst Lubitsch. Mas eu peco por esperar muito de seus filmes. Muito. Demasiadamente. Exageradamente. Excessivamente. Compulsoriamente. Quem manda ver Ladrão de Alcova e querer que qualquer trabalho dele seja tão deliciosamente amoral quando observa a interação de diferentes classes com aspirações diametralmente opostas (e não só porque essas classes estão representadas por um homem e uma mulher e o interesse é o amoroso... no estilo do diretor os interesses são conflituosos e não gravitam na mesma esfera do ama-não-ama; existe uma espécie de descontentamento subjacente com a sociedade e as "etiquetas" e demarcações fáceis que ela nos impõe)? Quem manda A Viúva Alegre não se (des)envolver mais para o lado da convivência entre estranhos (que, honestamente, Lubitsch faz mais e melhor [ok, analogia com Ladrão] que um A Regra do Jogo da vida) e cair no padrão genérico do diretor: gracioso, elegante, encantador. Graça, elegância e encanto: espero sempre mais do Mestre do Toque.

Adendo: Na revisão pude constatar o perfeito trabalho do som (presente em qualquer filme de Lubitsch, com destaque para... ah... Ladrão de Alcova e Uma Hora com Você) que se modifica a cada reviravolta/novo elemento indicando surpresa (observar a cena do julgamento); o uso do diário como reflexo da vida social e pessoal da respectiva pessoa que o mantém (e a ausência de palavras após a morte do marido da protagonista indica resignação e repetição sem fim ["Caro Diário: sou viúva."; "Nada para escrever" etc.] e quando ela encontra Chevalier, se sente renovada e escreve o que deixou de escrever nos últimos meses somente pela promessa de amor [em uma daquelas geniais tomadas "simplificadoras" do diretor vemos o pote de tinta cheio se esvaziar quase até o fim]); a decisão da viúva ao trocar o luto do preto pela vivacidade do branco (incluindo o cão) é inspirada; no jornal que é apresentado na tela (sempre tive curiosidade para ler suas manchetes [um exemplo maravilhoso são as criadas no desenho da Pixar Monstros S.A.]) o subtítulo do mesmo é "A Paper for Table and Stable" ["Um Jornal para a Mesa e Estábulo"] que reforça o caráter agrário de Marshovia (por sinal, apresentada com ajuda de um close-up e de uma lupa); a referência à Napoleão na sala privada do Maxim's; uma gag de forte conotação sexual quase passa despercebida: é retirado de Chevalier, no julgamento, suas algemas, com a seguinte inscrição: "De Dolores (a esposa do Rei, com quem ele tem um caso escuso [descoberto em uma das cenas mais inspiradas do filme com perfeita direção de atores - talvez o ponto alto dos galanteios deliciosos do ator]) para Danilo" (o personagem de Chevalier) - queria saber como ela passou no crivo da censura norte-americana...; outras cenas memoráveis: a valsa na Festa da Embaixada, "Você já teve relações diplomáticas com uma mulher?" e a cara de cafajeste-mor do ator mais encantador da década de 30, o café, a mensagem cifrada, o troca-troca da medalha, e encantadora cena final (com destaque ao diálogo: "Que nossos corações se mantenham gelados como esse champanhe. [após experimentá-lo:] Poderia estar mais gelado...").

2004-03-17T21:10:00.000-08:00

Zero de Conduta (Zéro de conduite, Jean Vigo, 1933)

Da categoria: "Libelo contra o autoritarismo institucional - segue anexo o abaixo-assinado e/ou formas anárquicas de resistência comunitária". Isso não é ruim, especialmente porque a sensação de Ordem Imutável e Inexorável é manipulada muito bem a medida em que é fácil acreditarmos na opressão daquele sistema educacional falho àquelas crianças; mesmo sem se deter (ou pelo menos com menos intensidade, já que todas as seqüências com esse intento [algumas aulas práticas e a primeira noite] parecem servir de veículo para a "conspiração" dos alunos) a aspectos que endossariam o caráter de-cima-para-baixo puro e simples; Vigo cria um ambiente de constante alienação educador/educado. Mas é difícil aturar o professor idealista com trejeitos de Chaplin em uma referência óbvia a um processo educacional mais engajado vs. o restante com idéias retrógradas (essas vertentes muito opostas sempre originam idéias maniqueístas ao meu ver porque - a) não contrasta olho-no-olho essas posições distintas; b) categoriza indivíduos que poderiam ter inclinações diversas dentro do mesmo "pólo") e o mais grave: o curta, mesmo alcançando todas as metas, não me emocionou como esperava (exceto por uma cena maravilhosa: em slow-motion com penas voando, estandartes e travesseiros em mãos, os meninos - de pijama - se rebelam) inclusive perdendo muito de sua força com uma revisão (esse tema do idealismo estudantil é muito ingênuo e condescendente).

- Em uma réplica dada às observações alheias escrevi: "a maioria dos filmes que lidam com revoltas à ordem (Zero está incluso) tendem a dividir sem sobrar 'restos', colocando perspectivas unilaterias em jogo (caracterização uniforme dos alunos [todos se rebelam, não há uma voz destoante sequer] & do corpo docente [absolutamente autoritários, exceto o completamente liberal "Chaplin": opostos que se desequilibram na preparação do confronto, como um fator atenuante]) o que não deixa de ser ingênuo, já que categorizar pessoas dessa forma, funciona como um mecanismo de manutençao à Ordem Vigente (visão simplista, observação incompleta e pouco aguçada de fatos e/ou pessoas).

2004-03-17T21:04:00.000-08:00

A Vênus Loira (Blonde Venus, Josef von Sternberg, 1932)

Notadamente estranho e curioso. A cena de abertura, parece inspirar-se nos contos dos irmãos Grinn e com um corte maravilhoso (lagoa :: banheira) presenciamos a concretização das flertadas iniciais; juntamente com o diagnóstico (sim, em um espaço de 5 minutos) de doença grave, causada pelo contato direto com radiação (!) etc. Bizarro, realmente, é ver Dietrich cantando "Hot Voodoo"; um Cary Grant meio deslocado como o galã-milionário-destruidor-de-lares; um esconde-esconde, com direito a um trabalho de iluminação sublime, na remota América do Sul, dentre outras particularidades que formam um todo agradabilíssimo. O conflito família vs. trabalho (o primeiro leva indiretamente ao segundo), fidelidade, adaptação das vontades próprias às duras circunstâncias e as próprias pessoas que fazem parte de seu círculo, amor maternal, tudo é domado com exatidão e serenidade por von Sternberg, quase como um libelo à força da mulher em situações-limite. Os cinco últimos minutos são uma maravilha: o garotinho tenta reunir os pais completando a inusitada história de amor do casal - e reclamando quando um deles não a contava da forma como ele se acostumara a ouvir - e dando corda em um de seus brinquedos musicais, incentivando a "mágica do reencontro".

2004-03-17T20:43:00.000-08:00

Um Cão Andaluz (Un chien andalou, Luis Buñuel, 1929)
A Idade do Ouro (L'âge d'or, Luis Buñuel, 1930)

"Um Cão Andaluz e A Idade do Ouro são definitivamente criações surrealistas, onde a consciência política se entremescla com o devaneio onírico e as imagens se esforçam em romper seus vínculos com a realidade para melhor criticá-la através de um contínuo estranhamento." (Nelson Ascher, Luis Buñuel e seus Demônios, Folha Conta 100 Anos de Cinema)

Um Cão Andaluz é um curta delicioso, vigoroso, com idéias fascinantes. Estava esperando algo completamente non-sense, mas a lógica da história do amor louco e suas ramificações bizarras fazem algum sentido de uma forma igualmente estranha. O que me fez ficar viciado (vi 6 vezes) é a velocidade imprimida a tudo (carícia nos seios com a roupa cobrindo-os :: sem roupa :: nádegas), os cortes rápidos, especialmente nas transições que mudam o ambiente circundante (axilas :: pedra :: mão) mas, acima de tudo, o inesperado, a quebra de expectativas. O melhor exemplo para a ilustração é a badaladíssima cena inicial: o protagonista abre os olhos da mulher /corta/ a nuvem "perfura" a Lua /corta/ ...e quando eu, incauto espectador, pensei que Buñuel não iria mostrar o ato de fato - já que a nuvem e a Lua o representaria indiretamente - ...boom, ledo engano = brilhante. Apresenta também uma seqüência com padres amarrados à dois pianos com animais mortos em cima: religião ridicularizada, l'enfant terrible já atacava no primeiro filme, precoce e determinado, não? O maior elogio que se pode fazer à produção é que ele destroça perfeitamente qualquer convenção narrativa.

As expectativas estavam altas para A Idade do Ouro. Pensei ser uma versão esticada de Cão (duração quatro vezes maior) só que menos veloz, um pouco mais ciente do que diabos Buñuel quer dizer através do tom surreal do anterior. Primeiro banho de água fria: a cópia da Continental está deplorável, abominável, impronunciável etc., melhor não vê-lo nessas condições, confiem em mim. Segundo banho: a energia de Cão deu espaço para cenas gratuitas (Jesus participando de uma orgia - vejam! vejam! - padre e girafa jogados pela janela - observem! observem! - pai matando um filho - não percam! - mulher lambendo os dedos do pé de uma estátua grega - oh, que ousado! Buñuel safadinho!) e um fio narrativo, digamos, convencional, mesmo com toda a profusão de seqüências nada convencionais como as listadas acima. É uma louca love story (bem como Cão, mas lá existem outros aspectos colidindo-se e isso pode ser [e é] apenas uma parte do todo), com os amantes sendo interrompidos na consumação do desejo sexual (algo como o plot de O Discreto Charme da Burguesia se trocado comida por sexo). O grande charme de Cão era o não estabelecimento de fronteiras entre o real e o imaginário e a criação de cenas que mudavam o tom e motivações dos participantes em segundos, pulando de sonho para realidade e vice-versa (ou até mesmo de sonho em sonho); Ouro não manifesta essa condição de deslocamento (os atos surreais dos personagens são derivados de comportamentos demarcadores sociais; então, motivos são expostos, o fluxo de consciência entre o não saber/não se importar com o que se está fazendo desaparece, ganhando ares propositais e o conseqüente "choque pelo choque" surge = determinismo ingênuo) e as usuais (e devo dizer, cansativas) críticas à censura - presente nos atos controlados da nobreza e no relativo rigor do clero - das vontades indôminas humanas apenas salientam a histeria generalizada. Ainda resta uma bem-vinda quebra de expectativas (vide Cão), afinal quem esperaria de um (aparente) documentário sobre escorpiões, observações sobre Roma (e o Vaticano, óbvio - estamos falando de Buñuel) e insights em uma festa da aristocracia? Um convite à incoerência. Melhor declinar.

2004-03-17T20:27:00.000-08:00

Aurora (Sunrise, F. W. Murnau, 1927)

... adendo apontando o "micro-calcanhar" de Aquiles do filme (...) no caso, a falta de interação mais vigorosa entre a Vampira e o camponês que se constitui em uma relação passivo-agressiva mas não a ponto do fascínio pela cidade e suas facilidades ser conciliado com a figura da mulher urbana; a separação da ilusão de sua criadora (a partir do momento em que ele se imagina nas danceterias ao invés de sua presença no campo a ser cultivado existe a suspeita do prazer próprio; não importa se é ou não fortalecido por sua "influência externa", o hedonismo que aquele homem nutre na busca pela felicidade, independe de paixões arrebatadoras-mas-ocasionais) o prejudica porque a reconciliação posterior do casal protagonista se potencializaria na quebra das duas vertentes unidas (femme fatale e "modernidades") a partir da reconstrução desses mitos ao lado da esposa, relativizando-os aos seus devidos lugares e reconhecendo a importância da união matrimonial, basicamente endossando os valores humanistas de Leo McCarey (ver a inacreditavelmente bela cena do casamento, ainda que se estruture em uma metáfora óbvia [curiosamente, estruturação é o termo perfeitamente aplicável, acrescentando-se um "re" a sua frente]). Mesmo assim, Aurora continua firme e forte ao obrigar seus personagens (notadamente o camponês ao tentar matar a esposa, a própria e a insegurança ao lado do marido irreconhecível e a Vampira na derrota final) a enfrentar seus vazios e inseguranças; a procura desesperada por conforto e felicidade os empurra para uma insatisfação compulsória, a qual é essencial a cada ato de ruptura com qualquer estrutura que os limita (especialmente a Moral inabalável).

- Em outro curto comentário, destaco o uso de fusões (a visão do espaço na relva, a mulher da cidade o seduzindo, o momento íntimo no restaurante e a felicidade da reunificação amorosa no meio da rua) e duas seqüências inspiradas as quais reforçam a visão gloriosa do amor matrimonial e de complicações decorrentes (a cabeça da estátua e o puxão de orelha no marido).

2004-03-17T20:17:00.000-08:00

A Boneca do Amor (Die puppe, Ernst Lubitsch, 1919)

A Boneca do Amor é (redundância a seguir) delicioso, com seu clima de fábula (o próprio diretor monta o cenário do filme como uma maquete [que, em uma transição inteligente, ganha dimensão real] na cena que o abre; o Sol tem várias faces expressando uma certa observação mágica/especial dos acontecimentos narrados; o cabelo do inventor e alternância de coloração para mostrar a ansiedade e preocupação, os balões no final; os animais presentes são ora representados por pedaços de papelão [galo] ora interpretados por humanos [cão e cavalos com vontades próprias]) e subtexto sexy (a reação da boneca/mulher quando o príncipe começa a despi-la a fim de colocar em seu corpo o vestido de noiva; a cena em que os dois escapam do monastério e ele a ajuda a pular o muro) mas com algumas observações completamente destoantes do conjunto (notadamente a herança do tio do príncipe e a disputa pelo testamento dos nobres parasitários a sua volta; a valorização excessiva do dinheiro por parte dos religiosos e o egoísmo [comida] e ambição dos mesmos [dote]) e outras muito facilmente resolvidas (as "genia's" do protagonista, a começar pela misogenia e aversão a tudo que se relacione à casamento, inclusive mulheres). Mas as cenas divertidas se destacam, com a imposição das necessidades pessoais da garota (espirrar, tossir, comer, beber) sobre a estaticidade da boneca e o assistente do inventor, que sempre se dirige a câmera/espectador para condenar os atos indelicados do patrão e nos dizer que um revide é impossível já que assim, apanharia ainda mais (surpreendente a aparição desse recurso em um filme da década de 10).